بررسی “برادران لیلا”/ فیلم توقیفی سعید روستایی – احسان منصوری

 

 برادران لیلا

) در 40 سالگی لیلا ( ترانه علیدوستی تمام زندگی خود را صرف مراقبت از پدر و مادر و چهار برادرش کرده است. این خانواده دائماً بحث می کنند و با بدهی ها درهم می ریزند، در کشوری با بحران اقتصادی عظیم و تورم های باورنکردنی در نتیجه آخوندهای حاکم بر کشور گرفتار می شوند. لیلا در حالی که برادرانش در تلاش برای گذراندن زندگی خود هستند، طرحی را تدوین می کند: راه اندازی یک تجارت خانوادگی که آنها را از فقر نجات دهد.

بازیگران برادران لیلا 

• ترانه علیدوستی در نقش لیلا جورابلو
• نوید محمدزاده در نقش علیرضا جورابلو
• سعید پورصمیمی در نقش اسماعیل جورابلو
• پیمان معادی در نقش منوچهر جورابلو
• محمد علیمحمدی در نقش فرهاد جورابلو
• نیره فراهانی در نقش مادر
• مهدی حسینی نیا در نقش بایرام
• فرهاد اصلانی در نقش پرویز جورابلو [6]

انتشار برادران لیلا 

انتخاب شد این فیلم برای رقابت برای نخل طلای جشنواره فیلم کن 2022 که از 17 تا 28 می 2022 برگزار شد.

پذیرایی برادران لیلا 

پاسخ انتقادی

در جمع‌آوری نقد وب‌سایت Rotten Tomatoes ، 90 درصد از 10 نقد برای فیلم مثبت است، با میانگین امتیاز 6/10. متاکریتیک نمره 87 از 100 را به فیلم اختصاص داد میانگین وزنی بر اساس 5 نقد، که نشان دهنده «تحسین جهانی» است.

افتخارات

جایزه	تاریخ برگزاری مراسم	دسته بندی	گیرنده(های)	نتیجه	مرجع (های)
جشنواره فیلم کن	28 مه 2022	نخل طلایی	گفت روستایی	نامزد شد	[9]
		جایزه FIPRESCI		برنده شد	[10]
		جایزه شهروندی		برنده شد	[11]

جنجال

اتهامات تجاوز جنسی بازیگران

دو بازیگر این فیلم سعید پورصمیمی و فرهاد اصلانی متهم شدند به تجاوز جنسی به کتایون ریاحی و سمیه میرشمسی . هر دو اتهام بعد از فیلمبرداری بود. [12] [13]

در حالی که ترانه علیدوستی دیگر بازیگر این فیلم یکی از زنانی است که شکایت زنان آزار دیده سینما را دنبال می کند. [14]

پس از اتهام اصلانی توسط سمیه میرشمسی دستیار کارگردان، علیدوستی در اینستاگرام خود اعلام کرد که بقیه بازیگران در جشنواره فیلم کن 2022 در کنار متهم قرار نخواهند داشت . [15] در جشنواره اصلانی به کن نرفت. [16]

پس از حضور بازیگران روی فرش قرمز، کتایون ریاحی بازیگر سرشناس، عکس پورصمیمی در کن را با صلیب قرمز روی او منتشر کرد و در استوری اینستاگرام خود به صفحه ایرانی من هم اشاره کرد. [17] [18]

روز بعد او در اینستاگرام پستی منتشر کرد که 25 سال پیش توسط او مورد تجاوز جنسی قرار گرفته است. [19] [20]

لادن طباطبایی، بازیگر بازنشسته اول خرداد ماه در یک پخش زنده در اینستاگرام اعلام کرد که توسط پورصمیمی نیز مورد آزار و اذیت کلامی قرار گرفته است. [2] [3]

پاسخ دولت ایران

سازمان سینمایی وزارت فرهنگ و ارشاد اسلامی همسرش فرشته حسینی ایران در حالی از این فیلم ابراز نارضایتی کرد که اعضای بازیگران در کن به انتقاد از حکومت ایران پرداختند و محمدزاده روی فرش قرمز را بوسید. [21] در 1 ژوئن 2022، وزیر محمدمهدی اسماعیلی گفت که ممکن است این فیلم اجازه اکران در ایران را نداشته باشد زیرا بدون تایید دولت در کن به نمایش درآمد که به گفته او خلاف قانون است. [22] در 22 ژوئن 2022، اسماعیلی گفت که سازمان رسما این فیلم را توقیف کرده است. [23]

منابع

• برادران لیلا (۲۰۲۲) در باکس آفیس موجو
• “از محمدزاده و علیدوستی تا معادی و اصلانی در «برادران لیلا»” . خبرگزاری برنا (in Persian) . Retrieved 2022-04-14 .
• “واکنش به اخبار غیر رسمی فیلم سعید روستایی” . ایسنا (in Persian). 2021-09-07 . Retrieved 2022-04-14 .
• “«برادران لیلا»ی سعید روستایی در مسابقه اصلی کن” . ایسنا (in Persian). 2022-04-14 . Retrieved 2022-04-14 .
• عباسی‌زاده, مریم (2022-04-14). “دو فیلم ایرانی «برادران لیلا» و «عنکبوت مقدس» در بخش مسابقه جشنواره کن ۲۰۲۲” . euronews (in Persian) . Retrieved 2022-04-14 .
• “«برادران لیلا» ساخته سعید روستایی، به بخش رقابتی جشنواره فیلم کن راه یافت” . خبرآنلاین (in Persian). 2022-04-14 . Retrieved 2022-04-14 .
• “برادران لیلا” . بازبینی شده در 28 مه 2022 .
• “برادران لیلا” . متاکریتیک . بازبینی شده در 28 مه 2022 .
• “فیلم های انتخابی رسمی 2022 – جشنواره کن” . www.festival-cannes.com . 14-04-2022 . بازیابی شده در 2022-04-16 .
• هفتاد و پنجمین جشنواره فیلم کن . بازبینی شده در 28 مه 2022 .
• «کن 2022: جایزه شهروندی برای «لیلا و برادرانش» » . کل صفحه (به زبان فرانسوی). 28 مه 2022 . بازبینی شده در 28 مه 2022 .
• MovieMag. “افشاگری سمیه میرشمسی از آزارهای جسمی و روحی توسط بازیگر مشهور!” . moviemag.ir (in Persian) . Retrieved 2022-05-28 .
• “واکنش‌ها به افشاگری آزار جنسی سمیه میرشمسی دستیار کارگردان” . sarpoosh (in Persian). 2022-03-28 . Retrieved 2022-05-28 .
• “پنج زن سینماگر ایرانی برای پیگیری ‘خشونت، آزار و باج‌گیری جنسی’ انتخاب شدند” . BBC News فارسی (in Persian) . Retrieved 2022-05-28 .
• “بیانیه غیرمستقیم ترانه علیدوستی و همکارانش: چهره آزارگر را در کن کنار خود نمی پذیریم – سـینما پـلاک” . cinemapelak.ir (in Persian). 2022-04-16 . Retrieved 2022-05-28 .
• “تصاویر | حضور سعید روستایی و بازیگران برادران لیلا در فتوکال جشنواره کن – همشهری آنلاین” . www.hamshahrionline.ir . Retrieved 2022-05-28 .
• “ماجرای اتهام آزار جنسی کتایون ریاحی به بازیگر قدیمی سینمای ایران چیست؟” . سایت طلا (in Persian). 2022-05-28 . Retrieved 2022-05-28 .
• “روایت کتایون ریاحی از تعرض سعید پورصمیمی به او/ عکس” . sarpoosh (in Persian). 2022-05-28 . Retrieved 2022-05-28 .
• MovieMag. “کتایون ریاحی جزئیات تجاوز سعید پورصمیمی به خودش را منتشر کرد!” . moviemag.ir (in Persian) . Retrieved 2022-05-28 .
• “سعید پورصمیمی 25 سال پیش به من تعرض کرده است” . خبرگزاری موج (in Persian) . Retrieved 2022-05-28 .
• ایران تحسین کن برای فیلم «عنکبوت مقدس» را محکوم می کند . تهران تایمز . 30 مه 2022 . بازبینی شده در 2 ژوئن 2022 .
• “جشنواره فیلم کن: ایران می گوید به دلیل انتخاب عنکبوت مقدس به فرانسه اعتراض کرده است” . عرب جدید . 1 ژوئن 2022 . بازبینی شده در 2 ژوئن 2022 .

«فیلم ایرانی که توسط منتقدان کن توقیف شد در خانه توقیف شد» . خبرگزاری فرانسه 22 ژوئن 2022 . بازبینی شده در 23 ژوئن 2022 .

نقد برادران لیلا – یک زن، پنج انگل زن ستیز در درام خشن ایرانی

سعید روستایی، زنی را که توسط مردسالاری بی‌کفایت و بی‌کفایت به حواس‌پرتی پرت می‌شود، در کانون توجه قرار می‌دهد.
پیتر برادشاو
پیتر برادشاو
@ پیتر برادشاو 1
چهارشنبه 25 مه 2022 ساعت 17:20 BST

. سعید روستایی، فیلمساز من، یک درام خانوادگی بزرگ، جذاب و شخصیت محور را به سبک ایتالیایی-آمریکایی با اجراهای خشن، صحنه عروسی بزرگ و نقش‌هایی از روکو و برادرانش ویسکونتی و پدرخوانده کاپولا ارائه می‌کند حتی آرتور میلر در میان سرزنش های عصبانی و دردناک وجود دارد.

ترانه علیدوستی – که به خاطر بازی در فیلم‌های اصغر فرهادی – با بازی لیلای این عنوان شناخته می‌شود، یک چرخش تاول‌آمیز داریم: زنی که توسط مردسالاری بی‌کفایت و بی‌کفایت به حواس‌پرتی سوق داده می‌شود. لیلا با پدر و مادر مسن خود زندگی می کند. او دچار کمردرد دوره‌ای ناشی از استرس و کار بیش از حد است و اساساً تنها مزدبگیر معمولی است که به تنهایی از چهار برادر بالغ حمایت می‌کند.

پرویز دارای اضافه وزن (فرهاد اصلانی) به عنوان یک توالت نظافتی در مرکز خرید کار می کند، اما به اندازه کافی برای تغذیه خانواده اش که با تلاش های مکرر برای پسری رشد می کند، تولید نمی کند. لونک عضلانی فرهاد (محمدعلی محمدی) فقط به کشتی آمریکا در تلویزیون علاقه دارد. منوچهر بیکار استخوانی (پیمان معادی) به دنبال طرح های خفن سریع پولدار شدن است نه کار. و علیرضا (نوید محمدزاده) اخیراً از کار کارخانه ای که روسای آن با دستمزدشان سر در نمی آوردند، استعفا داد.

صفی از مردم، اکثراً مرد، در برادران لیلا.

برادران لیلا. عکس: امیرحسین شجاعی

در رأس همه این مردان بیهوده و انگلی، پدر سالخورده آنها اسماعیل (سعید پورصمیمی) قرار دارد – مکر ناله، خودترحم، معتاد به تریاک، و وسواس به “پدرسالاری” قبیله گسترده خود، موقعیتی که سقوط کرده است. با مرگ پسر عمویش خالی است. پسر عمو بایرام (مهدی حسینینا) به او می گوید که تاج استعاری پدرسالار می تواند از آن او باشد – به شرطی که در عروسی آینده پسر بایرام 40 سکه طلا به عنوان هدیه ازدواج پرداخت کند. اسماعیل حریص و احمق موافقت می کند – زیرا او سکه ها را در اختیار دارد و می داند که امتیاز غیررسمی پدرسالار این است که از هر و همه هدایای ازدواج در عروسی های آینده یک «برش» مخفی انجام دهد.

در همین حال، لیلا به یک طرح تخیلی دست زده است که می تواند خانواده را به درآمدی صادقانه تبدیل کند: آنها می توانند اجاره یکی از واحدهای خرده فروشی جدیدی را که در مرکز خرید ساخته می شود، به طور نمادین در محل توالت عمومی پرویز بگیرند. اما او فقط می‌تواند وام بانکی را با سپرده دریافت کند – او به پول نقد نیاز دارد – و از اینکه می‌فهمد که ذخیره سکه‌های طلای پیرمرد قرار است به این روش نادرست و غیرصادقانه تلف شود، عصبانی می‌شود. اما آیا می توان جلوی او را گرفت؟

لیلا در دنیایی از کلاهبرداران مرد زندگی می‌کند

که هرگز دست از تبریک به خود به خاطر موقعیت و اعتبارشان نمی‌برند، با این حال از هر کاری شبیه به کار بیزارند و کاملاً راضی هستند که زنان را از پا درآورند و به آنها با زن‌ستیزی و اغماض پاداش دهند. منوچهر کلاهبردار بدبین به برادرانش پیشنهاد ملاقات کاری با یکی از دوستانش را داده بود – لیلا طبیعتاً به عنوان یک زن از جلسه کنار گذاشته شد. معلوم شد که این فرصت صرفاً یک کلاهبرداری برای اجاره اتومبیل‌های موجود نبوده، شبیه به ترفند «هدیه عروسی» پدرسالار. و مانند آن ترفند، بسیار محتمل است که شخصی که به شما اجازه ورود به این راز را می دهد، شما را به بزرگترین قربانی تبدیل کند.

خشم شعله ور لیلا از متوسط ​​بودن تحقیرآمیز پدر و برادرانش، و فرسودگی تلاش برای نجات آنها از دست خودشان، انرژی احساسی است که به فیلم قدرت می بخشد و به صحنه عروسی اوج می بخشد. اجرای فوق‌العاده علیدوستی، برای اولین بار در بین تیم‌های برابر در یک گروه بزرگ.

فیلم برادران لیلا در جشنواره کن به نمایش درآمد .

… در حالی که سال 2023 به سرعت در حال افزایش است و شما از ایران به ما ملحق می شوید، ما یک لطف کوچک داریم. سال جدید به معنای فرصت‌های جدید است، و ما امیدواریم که امسال به ثبات و پیشرفت بسیار مورد نیاز منجر شود. هر اتفاقی که بیفتد، گاردین در آنجا خواهد بود و گزارش‌هایی شفاف و بی‌باک و مستقل از سراسر جهان، 24 ساعته، ارائه می‌کند.

روزگار سختی است و ما می دانیم که همه در موقعیتی نیستند که برای اخبار هزینه کنند. اما از آنجایی که ما توسط خوانندگان تامین مالی می‌شویم، به سخاوت مستمر کسانی که می‌توانند آن را بپردازند تکیه می‌کنیم. این حمایت حیاتی به این معنی است که میلیون‌ها نفر می‌توانند به خواندن گزارش‌های موثق درباره رویدادهایی که جهان ما را شکل می‌دهند ادامه دهند. آیا امسال روی گاردین سرمایه گذاری خواهید کرد؟

برخلاف بسیاری دیگر، ما هیچ مالک میلیاردی نداریم، به این معنی که می توانیم بدون ترس حقیقت را تعقیب کنیم و آن را با صداقت گزارش کنیم. 2023 تفاوتی نخواهد داشت. ما با عزم و اشتیاق در مورد علامت تجاری کار خواهیم کرد تا روزنامه نگاری را به شما ارائه دهیم که همیشه عاری از دخالت تجاری یا سیاسی باشد. هیچ کس ویرایشگر ما را ویرایش نمی کند یا توجه ما را از آنچه مهم است منحرف نمی کند.

با حمایت شما، ما همچنان روزنامه‌نگاری گاردین را باز و رایگان برای خواندن همه نگه می‌داریم. هنگامی که دسترسی به اطلاعات برابر شود، تعداد بیشتری از مردم می توانند رویدادهای جهانی و تأثیر آنها بر مردم و جوامع را درک کنند. ما با هم می توانیم از قدرتمندان بهتر مطالبه کنیم و برای دموکراسی مبارزه کنیم.

فرقی نمی‌کند که مقدار کمی بدهید یا زیاد، بودجه شما برای تقویت گزارش‌های ما در سال‌های آینده حیاتی است. در صورت امکان به صورت ماهانه از ما حمایت کنید. راه اندازی آن کمتر از یک دقیقه طول می کشد، و می توانید مطمئن باشید که هر ماه در حمایت از روزنامه نگاری آزاد و مستقل تأثیر زیادی می گذارید. متشکرم.

درام (فیلم و تلویزیون)

در فیلم و تلویزیون ، درام یک دسته یا ژانر روایی داستانی (یا نیمه داستانی ) است که بیشتر از طنز، لحن جدی است. [1] درام از این نوع معمولاً با اصطلاحات اضافی مشخص می شود که ژانر فوق العاده، ژانر کلان یا خرد خاص آن را مشخص می کند، [2] مانند سریال سریال ، درام جنایی پلیسی ، درام سیاسی ، درام حقوقی ، درام تاریخی. ، درام خانگی ، درام نوجوان و کمدی درام (درام). خاصی را نشان دهند این عبارات تمایل دارند یک محیط یا موضوع ، یا در غیر این صورت، لحن جدی یک درام را با عناصری که طیف وسیع تری از حالات را تشویق می کنند، واجد شرایط می کنند . برای این اهداف، عنصر اصلی در درام، وقوع تضاد – احساسی، اجتماعی یا غیره – و حل آن در طول خط داستانی است.

تمام اشکال سینما یا تلویزیون که شامل داستان‌های تخیلی از به معنای وسیع‌تر هستند می‌شوند ، در صورتی که داستان سرایی آن‌ها به وسیله بازیگرانی انجام شود که به نمایش می‌گذارند شکل‌هایی ، درام شخصیت‌ها را . در این مفهوم گسترده تر، درام حالتی متمایز از رمان ، داستان کوتاه روایی ، و شعر یا ترانه است . [3] در دوران مدرن قبل از تولد سینما یا تلویزیون، «درام» درون تئاتر نوعی نمایش بود که نه کمدی بود و نه تراژدی . این مفهوم محدودتر است که صنایع فیلم و تلویزیون، همراه با مطالعات فیلم ، اتخاذ کردند. ” درام رادیویی ” به هر دو معنا استفاده شده است – در ابتدا در یک اجرای زنده منتقل شده است، همچنین برای توصیف پایان بلندتر و جدی تر خروجی نمایشی رادیو استفاده شده است . [4]

انواع نمایش در سینما و تلویزیون

طبقه بندی فیلمنامه نویسان ادعا می کند که ژانرهای فیلم اساساً بر اساس فضا، شخصیت و داستان فیلم هستند و بنابراین برچسب های “درام” و “کمدی” آنقدر گسترده هستند که نمی توان آنها را یک ژانر در نظر گرفت. [2] در عوض، طبقه بندی ادعا می کند که درام های فیلم «نوعی» از فیلم هستند. لیستی از حداقل ده نوع فرعی مختلف درام فیلم و تلویزیون. [5]

مستند درام

مستندات اقتباسی دراماتیزه شده از وقایع زندگی واقعی هستند. اگرچه همیشه کاملاً دقیق نیستند، اما حقایق کلی کم و بیش درست هستند. [6] تفاوت بین مستند و مستند در این است که در یک مستند از افراد واقعی برای توصیف تاریخ یا رویدادهای جاری استفاده می شود. در یک مستند درام از بازیگران حرفه ای آموزش دیده برای ایفای نقش در رویداد فعلی استفاده می کند، که کمی “دراماتیزه” شده است. مثال‌ها: Black Mass (2015) و Zodiac (2007).

مستندات

فیلم‌های مستند-تخیلی متفاوت از فیلم‌های مستند، فیلم‌های مستند و داستانی را با هم ترکیب می‌کنند، جایی که فیلم‌های واقعی یا رویدادهای واقعی با صحنه‌های بازسازی‌شده در هم آمیخته می‌شوند. [7] مثال: داخلی. Leather Bar (2013) و Your Name Here (2015).

درام کمدی

درام کمدی یک داستان جدی است که شامل شخصیت‌ها یا صحنه‌هایی است که ذاتاً برای مخاطب طنزآمیز است. [8] به عنوان مثال می توان به سه رنگ: سفید (1994)، نمایش ترومن (1998)، مرد بدون گذشته (2002)، بهترین هتل گل همیشه بهار عجیب و غریب (2011)، و کتاب بازی با پوشش نقره ای (2012) اشاره کرد.

هایپردرام

این داستان‌ها که توسط پروفسور فیلم کن دانسیگر ابداع شده‌اند ، شخصیت‌ها و موقعیت‌ها را تا حدی مبالغه می‌کنند که تبدیل به افسانه، افسانه یا افسانه می‌شوند. [9] مثال: آقای فاکس فوق العاده (2009) و بدجنس (2014).

درام سبک

درام‌های سبک داستان‌های سبکی هستند که با این وجود ماهیت جدی دارند. [10] مثالها: راهنما (2011) و ترمینال (2004).

درام روانشناختی

درام‌های روان‌شناختی درام‌هایی هستند که بر زندگی درونی و مشکلات روانی شخصیت‌ها تمرکز دارند. [11] مثال‌ها: Requiem for a Dream (2000)، Oldboy (2003)، Babel (2006)، Whiplash (2014) و Anomalisa (2015)

درام طنز

طنز می تواند شامل طنز باشد، اما نتیجه معمولاً تفسیر اجتماعی تند است که هر چیزی جز خنده دار است. طنز اغلب از کنایه یا اغراق برای افشای عیوب جامعه یا افرادی استفاده می کند که بر ایدئولوژی اجتماعی تأثیر می گذارد. [12] مثال‌ها: متشکرم برای سیگار کشیدن (2005) و احمق (2006).

درام مستقیم

درام مستقيم در مورد آنهايي صدق مي‌كند كه رويكرد خاصي به درام انجام نمي‌دهند، بلكه درام را فقدان تكنيك‌هاي كمدي مي‌دانند. [12] مثال‌ها: Ghost World (2001) و Wuthering Heights (2011).

ترکیبات نوع/ژانر

طبق طبقه بندی فیلمنامه نویسان، همه توصیفات فیلم باید شامل نوع خود (کمدی یا درام) همراه با یک (یا چند) از یازده فوق ژانر باشد. [2] این ترکیب یک ژانر جداگانه ایجاد نمی کند، بلکه درک بهتری از فیلم ارائه می دهد.

با توجه به طبقه بندی، ترکیب نوع با ژانر، ژانر جداگانه ای ایجاد نمی کند. [2] برای مثال، “درام ترسناک” به سادگی یک فیلم ترسناک دراماتیک است (در مقابل یک فیلم ترسناک کمدی). “درام ترسناک” ژانری جدا از ژانر وحشت یا نوع درام نیست. [13]

درام اکشن

درام‌های اکشن با صحنه‌های مبارزه پویا، صحنه‌های تعقیب و گریز گسترده، و شیرین‌کاری‌های هیجان‌انگیز که با داستان دراماتیک و قوس‌های شخصیت‌ها مرتبط است، تمایل دارند. قهرمان تقریباً همیشه تیزبین است، سریع روی پا است و می تواند از نظر ذهنی و جسمی بداهه پردازی کند. قهرمان فیلم را با یک مشکل درونی شروع می کند و به سرعت یک مشکل بیرونی به دنبال دارد. در پایان داستان، قهرمان هر دو مشکل را حل می کند. [2]

درام جنایی

درام‌های جنایی مضامین حقیقت، عدالت و آزادی را بررسی می‌کنند و حاوی دوگانگی اساسی «جنایتکار در مقابل قانون‌مدار» هستند. فیلم‌های جنایی باعث می‌شوند مخاطب از یک سری «حلقه‌های» ذهنی بپرد. استفاده از ژیمناستیک کلامی در درام جنایی برای نگه داشتن مخاطب و قهرمان داستان غیرمعمول نیست. [2]

نمونه هایی از درام های جنایی عبارتند از: پدرخوانده (1972)، محله چینی ها (1974)، دوستان خوب (1990)، مظنونان معمولی (1995)، و کوتاه بزرگ (2015).

هیجان انگیز درام

در یک تریلر درام، قهرمان اغلب یک قهرمان ناخواسته است که با اکراه وارد داستان می شود و باید برای نجات جان قربانیان بی گناه با یک شرور حماسی مبارزه کند. قهرمان به ناچار خود را عمیقاً درگیر موقعیتی می‌یابد که شامل جنایتکاران دیوانه با گذشته‌ای بسیار تاریک است که هر کسی را که در راه آنها قرار می‌گیرد تهدید می‌کند، دوبار عبور می‌کند و می‌کشد. [14]

به گفته فیلمنامه نویس و محقق اریک آر ویلیامز:

حتی به افراد خوب معمولی در ژانرهای دیگر (پلیس، کارآگاهان و نگهبانان) نمی توان در یک فیلم هیجانی اعتماد کرد. مسلماً در یک تریلر «بچه های خوب» وجود دارند، اما تماشاگر و قهرمان هرگز واقعاً تا آخر نمی دانند که چه کسی هستند. فیلم‌های هیجان‌انگیز ایده‌های امید و ترس را بررسی می‌کنند و قهرمان (و مهم‌تر از آن: مخاطب) را دائماً بین این دو افراط قرار می‌دهند. غیرعادی نیست که تماشاگران امیدوار باشند که قهرمان شخصیت شرور را شکست دهد، اما همچنان می ترسد که نتواند. اغلب، یک راز اصلی وجود دارد که قهرمان داستان باید آن را حل کند، معمایی که از دید تماشاگر و قهرمان مبهم است، به طوری که دانستن آنچه برای کشف موفقیت آمیز حس عذاب قریب الوقوع بر قهرمان وجود دارد، دشوار است. [2]

فیلم هایی مانند Se7en (1995)، زودیاک (2007)، جزیره شاتر (2010) و قو سیاه (2010) درام های هیجان انگیز هستند.

درام فانتزی

به گفته اریک آر. ویلیامز ، ویژگی بارز فیلم‌های درام فانتزی «حس شگفت‌انگیز است، که معمولاً در یک دنیای بصری شدید بازی می‌شود که در آن موجودات افسانه‌ای، جادو یا شخصیت‌های مافوق بشر زندگی می‌کنند. لوازم و لباس‌های درون این فیلم‌ها اغلب حس اسطوره‌شناسی را رد می‌کنند. و فولکلور – چه باستانی، چه آینده‌نگر، و چه دنیای دیگر. لباس‌ها، و همچنین دنیای عجیب و غریب، منعکس کننده مبارزات شخصی و درونی است که قهرمان در داستان با آن روبرو می‌شود.» [2]

نمونه هایی از درام های فانتزی عبارتند از : ارباب حلقه ها (2001-2003)، هزارتوی پان (2006)، جایی که چیزهای وحشی هستند (2009)، و زندگی پی (2012).

درام ترسناک

درام های ترسناک اغلب شامل شخصیت های اصلی جدا شده از بقیه جامعه می شود. این شخصیت ها اغلب نوجوانان یا افرادی در اوایل دهه بیست سالگی (مخاطبان اصلی ژانر) هستند و در نهایت در طول فیلم کشته می شوند. از نظر موضوعی، فیلم‌های ترسناک اغلب به عنوان داستان‌های اخلاقی عمل می‌کنند و قاتل برای گناهان گذشته قربانیان توبه‌ای خشونت‌آمیز دارد. [5] از نظر استعاری، اینها به نبردهای خیر در مقابل شر یا پاکی در مقابل گناه تبدیل می شوند.

روانی (1960)، هالووین (1978)، درخشش (1980)، احضار (2013)، آن (2017)، مادر! (2017) و Heritary (2018) نمونه هایی از فیلم های درام ترسناک هستند.

درام زندگی (روز در زندگی)

فیلم های روز در زندگی اتفاقات کوچکی را در زندگی یک فرد می گیرند و سطح اهمیت آنها را بالا می برند. “چیزهای کوچک در زندگی” به اندازه نبرد اوج در یک فیلم اکشن یا تیراندازی نهایی در یک وسترن برای قهرمان (و تماشاگر) مهم است. [5] اغلب، قهرمانان داستان در طول فیلم با مسائل متعدد و همپوشانی سر و کار دارند – درست مثل ما در زندگی.

فیلم های این نوع/ژانر ترکیبی عبارتند از: کشتی گیر (2008)، ایستگاه فروت ویل (2013) و لاک (2013).

درام عاشقانه

درام‌های رمانتیک، فیلم‌هایی با مضامین اصلی هستند که باورهای ما را درباره عشق تقویت می‌کنند (مثلاً: مضامینی مانند «عشق در نگاه اول»، «عشق همه چیز را تسخیر می‌کند» یا «کسی برای همه وجود دارد»). داستان به طور معمول حول شخصیت هایی می چرخد ​​که در عشق (و خارج و دوباره به درون) عشق می افتند. [15]

آنی هال (1977)، دفترچه یادداشت (2004)، کارول (2015)، او (2013) و لا لا لند (2016) نمونه هایی از درام های عاشقانه هستند.

درام علمی تخیلی

فیلم علمی تخیلی درام اغلب داستان یک قهرمان داستان (و متحدانش) است که با چیزی “ناشناخته” روبرو می شوند که پتانسیل تغییر آینده بشریت را دارد. این ناشناخته ممکن است توسط یک شرور با قدرت های غیرقابل درک، موجودی که ما درک نمی کنیم، یا یک سناریوی علمی که جهان را تهدید می کند، نشان داده شود. داستان علمی تخیلی مخاطب را وادار می کند تا به ماهیت انسان، محدودیت های زمان یا مکان یا به طور کلی مفاهیم وجود انسان توجه کند. [16]

مثال‌ها عبارتند از: متروپلیس (1927)، سیاره میمون‌ها (1968)، یک پرتقال ساعتی (1971)، بلید رانر (1982) و دنباله‌اش بلید رانر 2049 (2017)، فرزندان مردان (2006)، و ورود (2016) .

درام ورزشی

بدیهی است که در ژانر فوق العاده ورزشی، شخصیت ها به ورزش خواهند پرداخت. از لحاظ موضوعی، داستان اغلب یکی از «تیم ما» در مقابل «تیم آنها» است. تیم آنها همیشه برای برنده شدن تلاش خواهد کرد و تیم ما به جهان نشان خواهد داد که آنها شایسته شناسایی یا رستگاری هستند. داستان همیشه نباید شامل یک تیم باشد. داستان همچنین می تواند در مورد یک ورزشکار انفرادی باشد یا داستان می تواند روی فردی باشد که در یک تیم بازی می کند. [17]

نمونه هایی از این سبک/نوع عبارتند از: The Hustler (1961)، Hoosiers (1986)، به یاد داشته باشید تایتان ها (2000) و Moneyball (2011).

درام جنگی

فیلم‌های جنگی معمولاً داستان گروه کوچکی از افراد منزوی را روایت می‌کنند که – یکی یکی – توسط یک نیروی خارجی کشته می‌شوند (به معنای واقعی یا استعاری) تا زمانی که نبرد نهایی تا مرگ رخ دهد. ایده روبه‌رو شدن قهرمان‌ها با مرگ، یک انتظار اصلی در یک فیلم جنگی است. دشمن را در یک فیلم جنگی، حتی اگر تعداد دشمن از قهرمان بیشتر باشد، یا از قدرت برتر باشد، فرض می‌کنیم که تنها در صورتی می‌توان شکست داد که قهرمان بتواند چگونگی آن را بفهمد. [5]

مثال‌ها عبارتند از: آخرالزمان اکنون (1979)، بیا و ببین (1985)، زندگی زیباست (1997)، قفسه صدمه دیده (2008)، 1944 (2015)، چشم وایلدی (2015)، و 1917 (2019).

درام وسترن

فیلم‌های ژانر فوق‌العاده وسترن یا مکزیک اتفاق می‌افتند اغلب در جنوب غربی آمریکا ، با تعداد زیادی صحنه در فضای باز اتفاق می‌افتد تا بتوانیم در مناظر دیدنی غوطه‌ور شویم. انتظارات درونی برای مخاطب شامل مشت زدایی، اسلحه بازی و صحنه های تعقیب و گریز است. همچنین انتظار می رود تصاویر پانورامای دیدنی از حومه شهر شامل غروب خورشید، مناظر باز و صحراها و آسمان بی پایان باشد. [2]

نمونه‌هایی از درام‌های وسترن عبارتند از: True Grit (1969) و بازسازی آن در سال 2010 ، Max Mad (1979)، Unforgiven (1992)، No Country for Old Men (2007)، Django Unchained (2012)، Hell or High Water (2016)، و لوگان (2017).

دسته بندی اشتباه شناسایی شده

برخی از دسته بندی های فیلم که از کلمه “کمدی” یا “درام” استفاده می کنند توسط طبقه بندی فیلمنامه نویسان به عنوان یک ژانر یا یک نوع فیلم شناخته نمی شوند. به عنوان مثال، “ملودرام” و “کمدی اسکروبال” به عنوان مسیری در نظر گرفته می شوند، [18] در حالی که “کمدی رمانتیک” و “درام خانوادگی” ژانرهای کلان هستند. [19]

درام خانوادگی

یک ژانر کلان در طبقه بندی فیلمنامه نویسان. این فیلم ها داستانی را روایت می کنند که در آن بسیاری از شخصیت های اصلی با هم مرتبط هستند. داستان حول محور نحوه واکنش خانواده به عنوان یک کل به یک چالش اصلی می چرخد. چهار ژانر خرد برای درام خانوادگی وجود دارد: پیوند خانوادگی ، دشمنی خانوادگی ، از دست دادن خانواده و شکاف خانوادگی . [2]

ملودرام

یک نوع فرعی از فیلم‌های درام است که از طرح‌هایی استفاده می‌کند که احساسات شدید مخاطب را جذب می‌کند. توطئه های ملودراماتیک اغلب با “بحران احساسات انسانی، عاشقانه یا دوستی شکست خورده، موقعیت های خانوادگی متشنج، تراژدی، بیماری، روان رنجوری، یا سختی های عاطفی و جسمی” سروکار دارند. [20] منتقدان فیلم گاهی اوقات از اصطلاح “به طرز تحقیرآمیزی برای اشاره به داستانی غیرواقعی، پر از دردناک، اردوگاهی عاشقانه یا موقعیت‌های خانگی با شخصیت‌های کلیشه‌ای (اغلب شامل یک شخصیت زن مرکزی) استفاده می‌کنند که مستقیماً برای مخاطبان زنانه جذاب است. [21] همچنین به آنها “فیلم های زنانه”، “گریه کننده ها”، “اشک آور” یا “چک تلنگر” نیز گفته می شود. اگر مخاطبان مرد باشند، به آن‌ها فیلم «گریه پسر» می‌گویند. اغلب درام «صابون اپرا» در نظر گرفته می شود.

درام جنایی / پلیسی رویه ای / درام حقوقی

توسعه شخصیت بر اساس موضوعاتی که شامل مجرمان، مجریان قانون و سیستم حقوقی است.

درام تاریخی

فیلم هایی که بر رویدادهای دراماتیک تاریخ تمرکز دارند.

درام پزشکی

تمرکز بر پزشکان، پرستاران، کارکنان بیمارستان، و آمبولانس نجات قربانیان و تعاملات زندگی روزمره آنها.

درام نوجوان

بر نوجوان شخصیت‌های تمرکز می‌کند، به‌ویژه جایی که محیط مدرسه متوسطه نقش بازی می‌کند.

همچنین ببینید

• لیست فیلم های درام
• تراژدی بورژوازی
• فاجعه داخلی
• ساختار دراماتیک
• سریال صابون
• تراژیکمدی

منابع

• “درام” . مریام وبستر، گنجانده شده است. 2015. یک نمایشنامه، فیلم، برنامه تلویزیونی که در مورد یک موضوع جدی است و قصد خنداندن مخاطب را ندارد.
• ویلیامز، اریک آر (2017). طبقه بندی فیلمنامه نویسان: نقشه راهی برای داستان سرایی مشترک . نیویورک، نیویورک: مطالعات روتلج در نظریه و عمل رسانه. شابک  978-1-315-10864-3 . OCLC993983488   _ .
• ایلام (1980، 98).
• Banham (1998، 894-900).
• ویلیامز، اریک آر (2017). اقتباس از صفحه نمایش: فراتر از اصول اولیه: تکنیک‌هایی برای اقتباس از کتاب‌ها، کمیک‌ها و داستان‌های واقعی در فیلم‌نامه . نیویورک: مطبوعات کانونی. شابک  978-1-315-66941-0 . OCLC986993829   _ .
• اوگونلی، فولوک. “مستند تلویزیونی به عنوان سوابق جایگزین تاریخ” . مستند هرگز خنثی نیست . بازبینی شده در 16 ژوئن 2020 .
• «تولید داستان های مستند» . مرکز مطالعات مستند در دانشگاه دوک . بازبینی شده در 16 ژوئن 2020 .
• ویلیامز، اریک آر (2019). عاشق فیلم های عاشقانه (قسمت سوم کمدی و تراژدی: سن از شما محافظت نمی کند) . قابل شنیدن.
• دنسیگر، کن. (2015). فیلمنامه نویسی جایگزین: فراتر از فرمول هالیوود . انگلستان: کانونی. شابک  978-1-138-17118-3 . OCLC   941876150 .
• جونز، فیل، 1958 آوریل 22- (2007). نمایشنامه به عنوان درمان: نظریه، عمل و تحقیق (ویرایش دوم). لندن: روتلج. شابک  978-0-415-41555-2 . OCLC   85485014 .
• “زیرژانر – درام روانشناختی” . AllMovie . بازبینی شده در 20 مه 2021 .
• ویلیامز، اریک آر (2019). عاشق فیلم های عاشقانه (قسمت هشتم طنز و تفسیر اجتماعی) . قابل شنیدن.
• ویلیامز، اریک. R. (2018). “چگونه فیلم های عالی را ببینیم و از آنها قدردانی کنیم (قسمت شماره 4: لایه های ژانر و انتظارات مخاطب)” . انگلیسی . بازبینی شده در 14 ژوئن 2020 .
• “هیجان انگیز و تعلیق” . تجزیه و تحلیل SilverScreen. 19 نوامبر 2016 . بازبینی شده در 16 ژوئن 2020 .
• ویلیامز، اریک آر (2019). عاشق فیلم های عاشقانه (ژانر اپیزود شماره 2: احساس آفتاب از هر دو طرف) . قابل شنیدن.
• ویلیامز، اریک آر (2018). “نحوه مشاهده و قدردانی از فیلم های عالی (موضوعات قسمت ششم روی صفحه)” . انگلیسی . بازبینی شده در 16 ژوئن 2020 .
• فایرستاین، دیوید جی (2007). “میدان رویاها: فیلم های ورزشی آمریکایی”. E Journal USA . 12 .
• ویلیامز، اریک آر (2018). “چگونه فیلم‌های عالی را ببینیم و از آنها قدردانی کنیم (قسمت 22 مسیرهایی به سوی آنتاگونیست‌های بزرگ)” . دوره های بزرگ . بازبینی شده در 14 ژوئن 2020 .
• ویلیامز، اریک آر (2018). “چگونه فیلم های عالی را ببینیم و از آنها قدردانی کنیم (ژانر فیلم اپیزود شماره 3: این چیزی نیست که شما فکر می کنید)” . دوره های بزرگ . بازبینی شده در 14 ژوئن 2020 .
• “بزرگترین اشک آوران – صحنه ها و لحظات” . www.filmsite.org . بازبینی شده در 16 ژوئن 2020 .

منابع

 

 

نمایش

ادبیات
اشکال عمده
نمایش درام کمد کارایی فرهنگ عامه افسانه افسانه اسطوره ادبیات شفاهی ضرب المثل شعر متن آهنگ روایت مزخرف نثر رمان رمان داستان کوتاه متن مذهبی
نثر ژانرهای
داستان رمان بزرگ شدن وابسته به عشق شهوانی تاریخی داستان عاشقانه نظری فانتزی وحشت علمی تخیلی غیر داستانی زندگی نامه زندگینامه دفتر خاطرات مستند رساله انشا تاریخ روزنامه نگاری نامه ها خاطرات طبیعت فلسفه سخن، گفتار مسافرت رفتن
شعر ژانرهای
روایت حماسه نمایشی رمان آیه ملی متن آهنگ تصنیف مرثیه اپیگرام غزل هایکو سرود لیمریک قصیده قصیده طنز غزل ویلانل لیست ها حماسه گروه ها و جنبش ها شاعران
دراماتیک ژانرهای
بازی اخلاقی بازی تاریخ تراژدی کمدی تراژیکمدی طنز
تاریخچه و فهرست ها
تاریخ طرح کلی واژه نامه اصطلاحات کتاب ها نویسندگان حرکات جوایز ادبی شعر
بحث
نقد تئوری جامعه شناسی مجلات
موضوعات
ترکیب بندی زبان روایت
پورتال ادبیات
v تی ه

درام خاصی حالت از داستان نمایش داده می شود است که در اجرا : نمایشنامه ، اپرا ، میم ، باله و غیره که در تئاتر ، یا رادیو یا تلویزیون اجرا می شود . [1] که به طور کلی به عنوان یک ژانر شعر است در تضاد قرار در نظر گرفته می شود، از زمان شعر ارسطو (حدود 335 قبل از میلاد) – که اولین اثر تئوری نمایشنامه بود – با شیوه حماسی های گرفته و غنایی . [2]

اصطلاح «درام» از واژه‌ای یونانی به معنای «عمل» یا « عمل » ( به یونانی کلاسیک : δρᾶμα , drâma )، که از «من انجام می‌دهم» ( یونانی کلاسیک : δράω , dráō ) گرفته شده است. دو نقاب مرتبط با درام بیانگر تقسیم کلی سنتی بین کمدی و تراژدی است .

در انگلیسی (همانطور که در بسیاری از زبان‌های اروپایی دیگر وجود داشت)، کلمه بازی یا بازی (ترجمه آنگلوساکسون pleġan یا لاتین ludus اصطلاح استاندارد برای درام‌ها بود ویلیام شکسپیر ) تا زمان – درست همانطور که خالق آن یک بازیساز به جای نمایشنامه نویس و ساختمان خانه بازی به جای تئاتر، بود . [3]

استفاده از “درام” به معنای محدودتر برای تعیین نوع خاصی از نمایشنامه به دوران مدرن برمی گردد. «درام» در این معنا به نمایشنامه‌ای اشاره دارد که نه کمدی است و نه تراژدی – برای مثال زولا ترز راکین ( 1873 ) یا چخوف ایوانف ( 1887 ). این مفهوم محدودتر است که صنایع فیلم و تلویزیون ، همراه با مطالعات فیلم ، برای توصیف « درام » به عنوان یک ژانر در رسانه مربوطه خود اتخاذ کردند. اصطلاح ” درام رادیویی ” به هر دو معنا استفاده شده است – در ابتدا در یک اجرای زنده منتقل شده است. همچنین ممکن است برای اشاره به پایان بلندتر و جدی تر خروجی نمایشی رادیو استفاده شود . [4]

اجرای درام در تئاتر ، که توسط بازیگران روی صحنه در برابر تماشاگران اجرا می‌شود ، مستلزم مشارکتی شیوه‌های تولید و شکل جمعی از دریافت است. ساختار متون نمایشی ، بر خلاف سایر اشکال ادبیات ، مستقیماً تحت تأثیر این تولید مشترک و دریافت جمعی است. [5]

میم نوعی درام است که در آن کنش یک داستان تنها از طریق حرکت بدن بیان می شود. ترکیب کرد درام را می توان با موسیقی : متن نمایشی در اپرا به طور کلی در سراسر آواز خوانده می شود. همانطور که در برخی از باله رقص “بیان یا تقلید احساسات، شخصیت و کنش روایی”. [6] موزیکال ها گفتاری شامل دیالوگ های و آهنگ ها می شوند . و برخی از اشکال نمایشنامه دارای موسیقی تصادفی یا همراهی موسیقی هستند که بر دیالوگ تأکید می کند ( ملودرام و ژاپنی Nō مثلاً ). [7] درام با گنجه شکلی است که به جای اجرا، برای خواندن در نظر گرفته شده است. [8] در بداهه نوازی ، درام قبل از لحظه اجرا وجود ندارد. اجراکنندگان یک فیلمنامه دراماتیک را به صورت خودجوش در مقابل تماشاچیان طراحی می کنند. [9]

تاریخ درام وسترن

درام کلاسیک یونانی

درام وسترن از یونان کلاسیک سرچشمه می گیرد . ] فرهنگ تئاتر شهر -دولت آتن کمدی سه ژانر درام را ایجاد کرد: تراژدی ، [ 10 ، و نمایش ساتر . منشا آنها مبهم باقی مانده است، اگرچه در قرن پنجم قبل از میلاد، آنها برگزار می شد، نهادینه در مسابقاتی که به عنوان بخشی از جشن های بزرگداشت خدای دیونیزوس شدند . [11] مورخان نام بسیاری از نمایشنامه نویسان یونان باستان، به ویژه تسپیس را می شناسند ، که او را به ابداع بازیگری (” منافقان “) نسبت می دهند که صحبت می کند (به جای آواز خواندن) و شخصیتی را شبیه سازی می کند (به جای اینکه شخصاً صحبت کند). ) ضمن تعامل با گروه کر و رهبر آن (” کوریفئوس “) که بخشی سنتی از اجرای شعرهای غیر نمایشی ( دیترامبیک ، غزل و حماسه ) بودند. [12]

با این حال، تنها بخش کوچکی از آثار پنج نمایشنامه نویس تا به امروز باقی مانده است: ما تعداد کمی از متون کامل تراژدی نویسان آیسخلوس ، سوفوکل و اوریپید ، و کمیک نویسان آریستوفان و، از اواخر قرن چهارم، مناندر ، داریم. . [13] تراژدی تاریخی آیسخولوس ایرانیان را در سال 472 قبل از میلاد دریافت کرد قدیمی‌ترین درام باقیمانده است، اگرچه زمانی که جایزه اول مسابقه شهر دیونیزیا ، او بیش از 25 سال نمایشنامه می‌نوشت. [14] رقابت (” اگون “) برای تراژدی ممکن است در اوایل 534 قبل از میلاد آغاز شده باشد. سوابق رسمی (” دیدااسکالیایی “) از 501 قبل از میلاد آغاز می شود که نمایشنامه ساتیر معرفی شد. [15] نمایشنامه نویسان تراژیک ملزم به ارائه چهار گانه ای از نمایشنامه ها بودند (اگرچه تک تک آثار لزوماً با داستان یا مضمون مرتبط نبودند)، که معمولاً شامل سه تراژدی و یک نمایشنامه هجو بود (البته استثناهایی وجود داشت، مانند آلستیس اوریپید در 438 قبل از میلاد). کمدی در مسابقات 487 تا 486 قبل از میلاد رسماً با یک جایزه شناخته شد.

پنج نمایشنامه نویس کمیک در شهر دیونیزیا با هم رقابت کردند (اگرچه در طول جنگ پلوپونزی ممکن است این تعداد به سه نفر کاهش یافته باشد) که هر کدام یک کمدی را ارائه کردند. [16] کمدی یونان باستان به طور سنتی بین “کمدی قدیمی” (قرن 5 قبل از میلاد)، “کمدی میانی” (قرن 4 قبل از میلاد) و “کمدی جدید” (اواخر قرن چهارم تا دوم پیش از میلاد) تقسیم می شود. [17]

درام کلاسیک رومی

پس از گسترش جمهوری روم (509-27 قبل از میلاد) به چندین قلمرو یونانی بین 270 تا 240 قبل از میلاد، روم با درام یونانی روبرو شد . [18] از سالهای بعدی جمهوری و به وسیله امپراتوری روم (27 قبل از میلاد تا 476 پس از میلاد)، تئاتر در غرب در سراسر اروپا، در اطراف دریای مدیترانه گسترش یافت و به انگلستان رسید. تئاتر رومی از هر فرهنگ قبلی متنوع تر، گسترده تر و پیچیده تر بود. [19]

در حالی که نمایش‌های یونانی در سراسر دوره رومی اجرا می‌شد، سال 240 قبل از میلاد آغاز نمایش منظم رومی است . [20] با این حال، از آغاز امپراتوری، علاقه به درام تمام‌قد به نفع تنوع گسترده‌تری از سرگرمی‌های تئاتری کاهش یافت. [21] اولین آثار مهم ادبیات رومی بودند تراژدی ها و کمدی هایی که لیویوس آندرونیکس از 240 قبل از میلاد نوشت. [22] پنج سال بعد، Gnaeus Naevius نیز شروع به نوشتن درام کرد. [22] هیچ نمایشنامه ای از هیچ یک از نویسندگان باقی نمانده است. در حالی که هر دو نمایشنامه نویس در هر دو ژانر آهنگسازی می کردند ، آندرونیکوس برای تراژدی هایش و Naevius برای کمدی هایش بیشتر مورد استقبال قرار گرفتند. جانشینان آنها تمایل داشتند در یکی یا دیگری تخصص داشته باشند، که منجر به جدایی توسعه بعدی هر نوع درام شد. [22]

در آغاز قرن دوم پیش از میلاد، نمایش به طور محکم در رم تأسیس شد و انجمن نویسندگان ( collegium poetarum ) تشکیل شد. [23] کمدی‌های رومی که باقی مانده‌اند همگی fabula palliata (کمدی‌های مبتنی بر موضوعات یونانی) و از دو نمایشنامه‌نویس هستند: Titus Maccius Plautus (Plautus) و Publius Terentius Afer (ترنس). [24] در بازنویسی نسخه‌های اصلی یونانی، نمایشنامه‌نویسان کمیک رومی نقش گروه کر را در تقسیم درام به قسمت‌ها لغو کردند و همراهی موسیقی را به دیالوگ آن وارد کردند (بین یک سوم دیالوگ در کمدی‌های پلاتوس و دو سوم در کسانی که از ترنس). [25] اکشن تمام صحنه‌ها در مکان بیرونی یک خیابان اتفاق می‌افتد و عوارض آن اغلب از استراق سمع ناشی می‌شود . [25]

پلاتوس، محبوب‌تر از این دو، بین سال‌های 205 تا 184 قبل از میلاد نوشته است و بیست اثر کمدی از او باقی مانده است که از بین آنها، داستان‌های مسخره‌اش بیشتر شناخته شده است. او به خاطر شوخ طبعی دیالوگ و استفاده از انواع مترهای شعری مورد تحسین قرار گرفت . [26] تمام شش کمدی که ترنس بین سال‌های 166 و 160 قبل از میلاد نوشت، باقی مانده‌اند. پیچیدگی توطئه‌های او، که در آنها اغلب چندین اصل یونانی را با هم ترکیب می‌کرد، گاهی تقبیح می‌شد، اما توطئه‌های دوگانه‌اش نمایشی پیچیده از رفتار متضاد انسانی را امکان‌پذیر می‌کرد. [26] هیچ تراژدی اولیه رومی باقی نمانده است، اگرچه در زمان خود بسیار مورد توجه بود. مورخان سه تراژدی‌نویس اولیه را می‌شناسند: کوئینتوس انیوس ، مارکوس پاکوویوس و لوسیوس آکیوس . [25]

از زمان امپراتوری، آثار دو تراژدی به جای مانده است – یکی نویسنده ناشناخته ای است، در حالی که دیگری فیلسوف رواقی سنکا است . [27] 9 تراژدی از سنکا باقی مانده است که همه آنها fabula crepidata (تراژدی اقتباس شده از اصل یونانی) هستند. او Phaedra برای مثال، اوریپید بر اساس هیپولیتوس ساخته شده است . [28] مورخان نمی‌دانند که تنها نمونه موجود از fabula praetexta (تراژدی‌های مبتنی بر موضوعات رومی)، اکتاویا ، کیست، اما در زمان‌های گذشته به اشتباه به دلیل ظاهرش به عنوان شخصیت در تراژدی به سنکا نسبت داده می‌شد. [27]

قرون وسطی برادران لیلا 

از اوایل قرون وسطی ، کلیساها نسخه های نمایشی از وقایع کتاب مقدس را به نمایش می گذاشتند که به عنوان نمایش های مذهبی شناخته می شدند تا جشن های سالانه را زنده کنند. [29] کهن ترین نمونه، عید پاک تراپ است که به دنبال چه کسی هستید؟ (Quem-Quaeritis) (حدود 925). [30] دو گروه به صورت پاسخگو به زبان لاتین آواز می‌خواندند ، اگرچه جعل شخصیت‌ها در کار نبود. گسترش یافت در قرن یازدهم، از طریق اروپا به روسیه ، اسکاندیناوی و ایتالیا . به استثنای اسپانیا دوران اسلامی .

در قرن دهم، هروسویتا نوشت شش نمایشنامه به زبان لاتین با الگوبرداری از کمدی های ترنس ، اما به موضوعات مذهبی پرداخت. [31] نمایشنامه‌های او اولین نمایشنامه‌هایی هستند که توسط یک نمایشنامه‌نویس زن ساخته شده‌اند و اولین نمایشنامه غربی قابل شناسایی در دوران پس از کلاسیک هستند. [31] بعدها، هیلدگارد از بینگن یک موزیکال درام به نام Ordo Virtutum (حدود 1155) نوشت. [31]

یکی از مشهورترین نمایشنامه های سکولار درباری است که اولیه، رابین و ماریون شبانی در قرن سیزدهم به زبان فرانسوی توسط آدام دلا هال نوشته شده است . [32] Interlude of the Student and the Girl (حدود 1300)، یکی از قدیمی‌ترین آثار شناخته شده در انگلیسی، به نظر می‌رسد که از نظر لحن و شکل نزدیک‌ترین به مسخره‌های فرانسوی معاصر ، مانند پسر و مرد کور باشد . [33]

بسیاری از نمایشنامه ها از فرانسه و آلمان در اواخر قرون وسطی باقی مانده است ، زمانی که نوعی نمایش مذهبی تقریباً در همه کشورهای اروپایی اجرا می شد. بسیاری از این نمایشنامه ها شامل کمدی ، شیاطین ، تبهکاران و دلقک ها بودند . [34] در انگلستان، اصناف بازرگانی شروع به اجرای » بومی « نمایش‌های رازآلود کردند، که از چرخه‌های طولانی بسیاری از نمایشنامه‌ها یا «نمایش‌نامه‌ها» تشکیل شده بود، که چهار مورد از آن‌ها موجود است : یورک (48 نمایش)، چستر (24)، ویکفیلد ( 32) و به اصطلاح « شهرک » (42). The Second Shepherds’ Play from the Wakefield cycle داستانی مسخره از گوسفندی دزدیده شده است که شخصیت اصلی آن ، مک، سعی می کند آن را به عنوان فرزند تازه متولد شده اش که در گهواره خوابیده است، بگذراند. زمانی پایان می یابد که شبانانی که او از آنها دزدیده است به ولادت عیسی احضار شوند . [35]

نمایشنامه‌های اخلاقی (اصطلاح مدرن) به‌عنوان یک فرم نمایشی متمایز در حدود سال 1400 ظهور کردند و در اوایل دوران الیزابت در انگلستان شکوفا شدند. شخصیت ها اغلب برای نشان دادن آرمان های اخلاقی مختلف استفاده می شدند. به عنوان مثال، هر فردی شامل چهره هایی مانند کردار خوب، دانش و قدرت است و این شخصیت پردازی تضاد بین خیر و شر را برای مخاطب تقویت می کند. قلعه پایداری (حدود 1400-1425) پیشرفت یک شخصیت کهن الگویی را از تولد تا مرگ به تصویر می کشد. هورستس (حدود 1567)، یک «اخلاق ترکیبی» متأخر و یکی از اولین نمونه های نمایشنامه انتقام جویانه انگلیسی ، داستان کلاسیک اورستس با یک رذیله از سنت تمثیلی قرون وسطی را گرد هم می آورد ، صحنه های کمیک و لپ استیک متناوب با صحنه های جدی و تراژیک. آنهایی که [36] همچنین در این دوره درام‌های عامیانه نمایش مامرها که در فصل کریسمس اجرا می‌شد، مهم بودند . درباری ماسک‌های در دوران سلطنت هنری هشتم محبوبیت خاصی داشتند . [37]

الیزابت و ژاکوبین برادران لیلا 

یکی از شکوفایی های بزرگ درام در انگلستان در قرن 16 و 17 رخ داد. بسیاری از این نمایشنامه ها به صورت منظوم نوشته شده اند، به ویژه پنج متری آمبیک . علاوه بر شکسپیر، نویسندگانی چون کریستوفر مارلو ، توماس میدلتون و بن جانسون از نمایشنامه نویسان برجسته ای در این دوره بودند. مانند دوره قرون وسطی ، نمایشنامه های تاریخی زندگی پادشاهان گذشته را جشن می گرفتند و تصویر سلطنت تودور را تقویت می کردند . نویسندگان این دوره برخی از خطوط داستانی خود را از اساطیر یونان و اساطیر رومی یا از نمایشنامه های نمایشنامه نویسان برجسته رومی مانند پلاتوس و ترنس استخراج کردند .

کمدی ترمیم انگلیسی

کمدی ترمیم های انگلیسی نوشته و اجرا شده در انگلستان در دوره بازسازی از 1660 تا 1710 به کمدی اشاره دارد . [38] پس از اینکه ممنوع شد تئاتر عمومی توسط رژیم پیوریتان ، بازگشایی تئاترها در سال 1660 با بازسازی چارلز دوم نشان دهنده رنسانس درام انگلیسی بود . [39] کمدی ترمیم به دلیل صراحت جنسی ، شهرنشینی، شوخ طبعی جهان وطنی ، نوشته‌های موضوعی به روز، و طرح‌های شلوغ و شلوغ معروف است. نمایشنامه نویسان آن آزادانه از صحنه معاصر فرانسوی و اسپانیایی، از نمایشنامه های انگلیسی ژاکوبین و کارولین ، و حتی یونانی و رومی  برادران لیلا کمدی های کلاسیک سرقت می کردند و خطوط داستانی مختلف را به شیوه های ماجراجویانه ترکیب می کردند. تفاوت‌های لحن حاصل در یک نمایشنامه به جای اینکه مورد اخم قرار گیرد، مورد قدردانی قرار گرفت، زیرا تماشاگران به «تنوع» در درون و بین نمایشنامه‌ها اهمیت می‌دادند. کمدی ترمیم دو بار به اوج رسید. این ژانر در اواسط دهه 1670 به بلوغ فوق العاده ای رسید. اشرافی کمدی های بیست سال لاغر پس از این عصر طلایی کوتاه گذشت، اگرچه دستاورد اولین نمایشنامه نویس حرفه ای زن، افرا بهن ، در دهه 1680 یک استثنا مهم است. در اواسط دهه 1690، دومین رنسانس کمدی بازسازی کوتاه مدتی به وجود آمد که مخاطبان بیشتری را هدف قرار داد. کمدی های طلایی دوران اوج دهه 1670 و 1690 تفاوت قابل توجهی با یکدیگر دارند.

کمدی های بی احساس یا «سخت» جان درایدن ، ویلیام وایچرلی ، و جورج اتریج، فضای دادگاه را منعکس می کرد و با صراحت یک سبک زندگی ماچویی اشرافی از دسیسه ها و فتح های جنسی بی وقفه را جشن می گرفت. ارل روچستر ، چنگک بازپروری واقعی، درباری و شاعر، در مرد حالت (1676) اثر اتریگ به شکلی تملق آمیز به عنوان یک اشراف زاده شورش، شوخ، روشنفکر و از نظر جنسی مقاومت ناپذیر به تصویر کشیده است . شده (در واقع هرگز یک شخصیت بسیار رایج در کمدی بازسازی نیست). تک نمایشنامه‌ای که بیشترین تلاش را برای حمایت از اتهام فحاشی مطرح شده در آن زمان و اکنون در کمدی بازسازی انجام می‌دهد، احتمالاً شاهکار ویچرلی The Country Wife (1675) است که عنوان آن حاوی یک زشت جناس است و “صحنه چینی” بدنام آن مجموعه‌ای از جنایات دوگانه است. . [40]

در طول موج دوم کمدی بازسازی در دهه 1690، کمدی‌های «نرم‌تر» ویلیام کنگرو و جان ونبروگ برای جذب مخاطبان متنوع‌تر از نظر اجتماعی با عنصر قوی طبقه متوسط ​​و همچنین تماشاگران زن آغاز شد. تمرکز کمیک از عشاق جوانی که از نسل قدیمی‌تر فریب می‌دهند به فراز و نشیب‌های روابط زناشویی تغییر می‌کند. (1700) کنگرو در «عشق برای عشق» (1695) و «راه جهان» ، مجموعه‌های بده و بستان زوج‌هایی که جاذبه‌شان را برای یکدیگر آزمایش می‌کنند، در آستانه ازدواج به بحث‌های شوخ‌آمیز پیش از ازدواج تبدیل شده است، همانطور که در مورد دومی وجود دارد. صحنه معروف “Proviso”. (1697) اثر ونبرو همسر برانگیخته دارای لمسی سبک و شخصیت‌هایی است که بیشتر از نظر انسانی قابل تشخیص هستند، در حالی که بازگشت (1696) به دلیل شوخ طبعی و شخصیت لرد فاپینگتون، یک بورلسک برادران لیلا  زن عجیب و غریب و متاثر با جنبه‌ای تاریک، تحسین شده است. [41] تحمل کمدی بازسازی حتی در شکل اصلاح شده آن تا پایان قرن هفدهم رو به اتمام بود، زیرا افکار عمومی حتی سریعتر از نمایشنامه نویسان به احترام و جدیت روی آوردند. [42] در اولین نمایش همه ستارگان مورد انتظار در سال 1700 راه جهان ، اولین کمدی کنگرو به مدت پنج سال، تماشاگران فقط اشتیاق متوسطی را برای آن اثر ظریف و تقریباً غمگین نشان دادند. کمدی سکس و شوخ طبعی جای خود را به کمدی احساساتی و درام اخلاقی مثال زدنی می داد.

مدرن و پست مدرن برادران لیلا 

مشارکت های محوری و مبتکرانه قرن نوزدهم ، نمایشنامه نویس نروژی هنریک ایبسن و قرن بیستم، آلمانی هنرپیشه تئاتر برتولت برشت، بر نمایش مدرن غالب است. هر کدام الهام‌بخش سنت‌هایی از مقلدان هستند که شامل بسیاری از بزرگترین نمایشنامه‌نویسان دوران مدرن می‌شود. [43] آثار هر دو نمایشنامه‌نویس، به شیوه‌های متفاوت خود، هم مدرنیستی و هم رئالیستی رسمی هستند و تجربه‌های ، فرا تئاتری و نقد اجتماعی را در بر می‌گیرند . [44] از نظر گفتمان نظری سنتی ژانر، کار ایبسن به عنوان نقطه اوج ” تراژدی لیبرال همسو شده است تاریخی ” توصیف شده است، در حالی که آثار برشت با یک کمدی . [45]

دیگر نمایشنامه نویسان مهم عصر مدرن می توان به آنتونین آرتو ، آگوست استریندبرگ ، آنتون چخوف ، فرانک ویدکیند ، موریس مترلینک ، فدریکو گارسیا لورکا ، یوجین اونیل ، لوئیجی پیراندلو ، جورج برنارد شاو ، ارنست مایارکوفورس ، ولادیمیر ته میلرسکی ، آرت میلر از ویلیامرسکی اشاره کرد. ژان ژنه ، اوژن یونسکو ، ساموئل بکت ، هارولد پینتر ، فردریش دورنمات ، داریو فو ، هاینر مولر و کاریل چرچیل .

اپرا برادران لیلا 

این بخش به نقل قول های اضافی برای تأیید نیاز دارد . لطفاً به بهبود این مقاله با افزودن نقل قول به منابع معتبر کمک کنید . اطلاعات بدون مرجع ممکن است مشکل ایجاد کرده و پاک شوند. ( آوریل 2016 ) ( نحوه و زمان حذف این پیام الگو را بیاموزید )

اپرای وسترن نوعی هنر نمایشی است که در دوران رنسانس [46] در تلاش برای احیای درام کلاسیک یونانی که در آن دیالوگ، رقص و آواز ترکیب می‌شد، پدید آمد. که به شدت با موسیقی کلاسیک غربی این اپرا در هم آمیخته است، در چهار قرن گذشته دستخوش تغییرات عظیمی شده است و تا به امروز شکل مهمی از تئاتر است. نکته قابل توجه تأثیر عمده آهنگساز آلمانی قرن نوزدهم ریچارد واگنر بر سنت اپرا است. از نظر او در اپراهای زمان برادران لیلا  خود تعادل مناسبی بین موسیقی و تئاتر وجود نداشت، زیرا به نظر می رسید موسیقی بیش از جنبه های دراماتیک در این آثار اهمیت دارد. او برای بازگرداندن ارتباط با درام کلاسیک، فرم اپرا را کاملاً تجدید کرد تا بر اهمیت یکسان موسیقی و درام در آثاری که او آن را « درام موسیقی » می‌نامید تأکید کرد.

اپرای چینی در یک دوره زمانی نسبتاً طولانی تر توسعه محافظه کارانه تری داشته است.

پانتومیم برادران لیلا 

پانتومیم (به طور غیررسمی پانتو )، [47] نوعی تولید صحنه ای کمدی موزیکال است که برای سرگرمی های خانوادگی طراحی شده است. در انگلستان توسعه یافت و هنوز هم در سراسر بریتانیا، به طور کلی در فصل کریسمس و سال نو و تا حدی در سایر کشورهای انگلیسی زبان اجرا می شود. پانتومیم مدرن شامل آهنگ‌ها، گیج‌ها، کمدی و رقص است، از بازیگران متقاطع جنسیتی استفاده می‌کند و طنز موضعی را با داستانی کاملاً مبتنی بر یک افسانه معروف، افسانه یا داستان عامیانه ترکیب می‌کند . [48] ​​[49] این یک شکل مشارکتی از تئاتر است که در آن از مخاطب انتظار می‌رود همراه با بخش‌های خاصی از موسیقی بخواند و عباراتی را برای اجراکنندگان فریاد بزند.

این داستان ها از سنت افسانه ها و قصه های عامیانه پیروی می کنند . معمولاً درسی وجود دارد و با کمک مخاطبان، قهرمان/قهرمان روز را نجات می دهد. در این نوع نمایش از شخصیت‌های استوک استفاده می‌شود که در ماسک و باز هم کمدیا دل آرته دیده می‌شوند، این شخصیت‌ها شامل شرور (دکتر)، دلقک/خدمت‌کار (آرلکینو/هارلکین/دکمه‌ها)، عاشقان و غیره هستند. این نمایش‌ها معمولاً بر اخلاقیات تأکید دارند . دوراهی‌ها ، و خیر همیشه بر شر پیروز می‌شود، این نوع بازی همچنین بسیار سرگرم‌کننده است و آن را راهی بسیار مؤثر برای دستیابی به افراد زیادی می‌کند.

پانتومیم در فرهنگ غربی سابقه طولانی تئاتری دارد که به تئاتر کلاسیک باز می گردد. ایتالیا در قرن شانزدهم این تا حدی از سنت کمدیا دل آرته ، و همچنین دیگر سنت‌های صحنه اروپایی و بریتانیایی، مانند ماسک‌های قرن هفدهم و سالن موسیقی شکل گرفت . [48] ​​بخش مهمی از پانتومیم، تا اواخر قرن نوزدهم، حرلکیناد بود . [50] در خارج از بریتانیا، کلمه “پانتومیم” معمولا به معنای تقلید استفاده می شود ، نه شکل تئاتری که در اینجا مورد بحث قرار می گیرد. [51]

میم

میم یک رسانه نمایشی است که در آن کنش یک داستان از طریق حرکت بدن و بدون استفاده از گفتار بیان می شود. اجرای میم در یونان باستان رخ داده است و این کلمه از یک رقصنده نقابدار به نام پانتومیموس گرفته شده است ، اگرچه اجرای آنها لزوماً بی صدا نبود. [52] در اروپای قرون وسطی ، اشکال اولیه میم، مانند نمایشنامه‌های مومر بعدی و نمایش‌های ابلهانه ، تکامل یافتند. در اوایل قرن نوزدهم پاریس ، ژان گاسپار دبورو ویژگی‌های بسیاری را که ما در دوران مدرن می‌شناسیم، از جمله چهره‌های بی‌صدا در صورت سفید، تثبیت کرد. [53]

ژاک کوپو ، به شدت تحت تأثیر کمدیا دل آرته و تئاتر نو ژاپنی ، در آموزش بازیگران خود از ماسک استفاده می کرد. اتین دکرو ، شاگرد او، بسیار تحت تأثیر این موضوع قرار گرفت و شروع به کاوش و توسعه امکانات میم کرد و میم بدنی را به شکلی بسیار مجسمه‌سازی تبدیل کرد و آن را خارج از قلمرو طبیعت‌گرایی قرار داد . ژاک لکوک کمک قابل توجهی به توسعه میم و تئاتر فیزیکی با روش‌های آموزشی خود کرد. [54]

باله برادران لیلا 

در حالی که برخی از باله ها بر «خطوط و الگوهای حرکت خود» تأکید دارند، رقص دراماتیک «احساس، شخصیت و کنش روایی را بیان می کند یا تقلید می کند». [6] این گونه باله ها آثار نمایشی هستند که دارای شخصیت هستند و «داستان می گویند»، [55] حرکات رقص در باله «اغلب با اشکال روزمره بیان فیزیکی مرتبط هستند، [به طوری که] کیفیت بیانی ذاتی تقریباً در همه وجود دارد. رقصیدن” و این برای انتقال عمل و احساسات استفاده می شود. میم نیز استفاده می شود. [55] به عنوان مثال می توان به پیوتر ایلیچ چایکوفسکی دریاچه قو اشاره کرد که داستان اودت، شاهزاده خانمی که با نفرین یک جادوگر شیطانی به قو تبدیل شده است، سرگئی پروکوفیف باله رومئو و ژولیت ، بر اساس نمایشنامه معروف شکسپیر، و ایگور استراوینسکی است . پتروشکا . ، که داستان عشق ها و حسادت های سه عروسک را روایت می کند

درام خلاق

نمایش خلاق شامل فعالیت های نمایشی و بازی هایی است که عمدتاً در محیط های آموزشی با کودکان استفاده می شود. ریشه آن در ایالات متحده در اوایل دهه 1900 آغاز شد. وینیفرد وارد به عنوان بنیانگذار نمایش خلاق در آموزش و پرورش در نظر گرفته می شود و اولین استفاده آکادمیک از نمایش را در ایوانستون، ایلینوی ایجاد کرد. [56]

درام آسیایی برادران لیلا 

هند

اولین شکل نمایش هندی بود درام سانسکریت . [57] بین قرن اول بعد از میلاد تا قرن دهم دوره صلح نسبی در تاریخ هند بود که طی آن صدها نمایشنامه نوشته شد. [58] با فتوحات اسلامی که در قرن 10 و 11 آغاز شد، تئاتر به طور کامل متوقف یا ممنوع شد. [59] بعدها، در تلاش برای احیای ارزش‌ها و ایده‌های بومی، تئاتر روستایی در سراسر شبه قاره تشویق شد و به زبان‌های مختلف منطقه‌ای از قرن 15 تا 19 توسعه یافت. [60] جنبش باکتی در اجراها در چندین منطقه تأثیرگذار بود. به غیر از زبان های منطقه ای، آسام شاهد ظهور درام وایشنوی در یک زبان ادبی ترکیبی مصنوعی به نام براجاوالی بود . [61] یک شکل متمایز از نمایشنامه‌های یک‌پرده به نام آنکیا نات در آثار سانکاردف توسعه یافت ، [62] که نمایش خاصی از آن باونا نامیده می‌شود . [63] تئاتر مدرن هند در طول دوره استعمار تحت امپراتوری بریتانیا ، از اواسط قرن 19 تا اواسط 20th توسعه یافت. [64]

تئاتر سانسکریت

اولین قطعات بازمانده از نمایشنامه سانسکریت مربوط به قرن اول پس از میلاد است. [65] انبوه شواهد باستان شناسی مربوط به دوره های پیشین هیچ نشانه ای از وجود سنت تئاتر ارائه نمی دهد. [66] باستانی وداهای ( سرودهای بین 1500 تا 1000 قبل از میلاد که از قدیمی ترین نمونه های ادبیات در جهان هستند) هیچ اشاره ای به آن ندارند (اگرچه تعداد کمی از آنها به شکل گفتگو سروده شده اند ) و آیین ودایی های دوره به نظر نمی رسد به تئاتر تبدیل شود. [66] مهابهاشیا حاوی اولین اشاره به چیزی است که اثر پاتانجالی ممکن است بذر نمایشنامه سانسکریت باشد. [67] این رساله در دستور زبان از 140 قبل از میلاد تاریخ قابل اجرا برای آغاز تئاتر در هند ارائه می دهد . [67]

منبع اصلی شواهد برای تئاتر سانسکریت، رساله‌ای در باب تئاتر ( Nātyaśāstra ) است، خلاصه‌ای که تاریخ ساخت آن نامشخص است (تخمین‌ها از 200 قبل از میلاد تا 200 پس از میلاد است) و نویسنده آن به بهاراتا مونی نسبت داده می‌شود . رساله . کاملترین اثر دراماتورژی جهان باستان است این به بازیگری ، رقص ، موسیقی ، ساخت و ساز نمایشی ، معماری، لباس ، گریم ، وسایل ، سازماندهی شرکت ها، تماشاگران، مسابقات می پردازد و روایتی اسطوره ای از منشاء تئاتر ارائه می دهد. [67]

درام آن به عنوان بالاترین دستاورد ادبیات سانسکریت در نظر گرفته می شود . [68] ) استفاده می‌کرد از شخصیت‌های سهامی مانند قهرمان ( نایاکا )، قهرمان ( نایکا )، یا دلقک ( vidusaka . بازیگران ممکن است در نوع خاصی تخصص داشته باشند. پادشاهان و همچنین مجامع روستایی از آن حمایت می کردند. از نمایشنامه نویسان معروف اولیه می توان به باسا ، کالیداسا (مشهور برای ویکراما و اورواشی ، مالاویکا و آگنیترا ، و شناخت شاکونتالا )، شودراکا (مشهور برای کوچک سفالی )، آسواگوسا ، رانگانالیت و امپراطور گاری ، ، رانگانالیت ، دانان، و امپراطور اشاره کرد. پریادارسیکا ). Śakuntalā (در ترجمه انگلیسی) بر گوته فاوست (1808-1832) تأثیر گذاشت. [68]

سینمای سیار

شکل مشخصی از تئاتر در هند توسعه یافته است که در آن تمام خدمه برای اجرای نمایش از مکانی به مکان دیگر، با صحنه‌ها و تجهیزات موقت، به ویژه در بخش‌های شرقی کشور سفر می‌کنند. جاترا ( بنگالی به معنای «سفر»)، که در جنبش وایشنووی Chaitanya Mahaprabhu در بنگال سرچشمه می گیرد ، سنتی است که از این قالب پیروی می کند. [69] وایشناویت در ایالت همسایه آسام، که توسط سریمانتا سانکاردوا پیشگام است ، نمایش می‌دهد و در قالب آنکیا نات و بهونا می‌باشد . اینها، همراه با تأثیرات غربی، الهام‌بخش توسعه تئاتر سیار مدرن است که در آسام در آسام به نام Bhramyoman شناخته می‌شود . [70] بهرامیومان مدرن همه چیز را از اساطیر هندو گرفته تا اقتباس از کلاسیک های غربی و فیلم های هالیوود ، [71] و از تکنیک های مدرن، مانند جلوه های بصری زنده، به نمایش می گذارد. [72] تئاتر سیار آسامی صنعتی به ارزش صد میلیون تخمین زده می شود. [73] طبیعت مستقل بهرامیومان، با تمام تجهیزات و حتی صحنه که توسط خود نیرو حمل می‌شود، امکان اجرای نمایش‌ها را حتی در روستاهای دورافتاده فراهم می‌کند و دسترسی وسیع‌تری به آن می‌دهد. پیشگامان این صنعت عبارتند از Achyut Lahkar ، Brajanath Sarma و غیره.

درام مدرن هندی

این بخش به نقل قول های اضافی برای تأیید نیاز دارد . لطفاً به بهبود این مقاله با افزودن نقل قول به منابع معتبر کمک کنید . اطلاعات بدون مرجع ممکن است مشکل ایجاد کرده و پاک شوند. ( آوریل 2018 ) ( نحوه و زمان حذف این پیام الگو را بیاموزید )

رابیندرانات تاگور یک نمایشنامه‌نویس مدرن پیشگام بود که نمایشنامه‌هایی نوشت که به کاوش و زیر سؤال بردن ملی‌گرایی، هویت، معنویت‌گرایی و طمع مادی مشهور بودند. [74] نوشته شده‌اند نمایشنامه‌های او به زبان بنگالی و شامل چیترا ( Chitrangada ، 1892)، پادشاه اتاق تاریک ( راجا ، 1910)، اداره پست ( Dakghar ، 1913)، و خرزهره سرخ ( Raktakarabi ، 1924) است. [74] گیریش کارناد نمایشنامه نویس برجسته ای است که تعدادی نمایشنامه نوشته است که از تاریخ و اسطوره شناسی برای نقد و مشکل آفرینی ایده ها و آرمان هایی که مربوط به معاصر هستند استفاده کرده است. نمایشنامه‌های متعدد کارناد مانند توغلاق ، هیاوادانا ، تالداندا ، و ناگا ماندالا سهم قابل توجهی در نمایشنامه هندی دارند. ویجی تندولکار و ماهش داتانی از نمایشنامه نویسان اصلی هندی قرن بیستم هستند. موهان راکش به زبان هندی و دانمارکی اقبال در اردو از معماران درام عصر جدید محسوب می شوند. دانمارکی اقبال از Aadhe Adhoore اثر موهان راکش و دارا شیکوه آثار کلاسیک مدرن محسوب می شوند.

چین

تئاتر چین تاریخ طولانی و پیچیده ای دارد. امروزه اغلب آن را اپرای چینی می نامند ، اگرچه این معمولاً به طور خاص به شکل محبوب معروف به اپرای پکن و Kunqu اشاره دارد . بسیاری از اشکال دیگر تئاتر در چین وجود داشته است، مانند زاجو .

ژاپن

ژاپنی درام Nō یک فرم دراماتیک جدی است که درام، موسیقی و رقص را در یک تجربه اجرایی زیباشناختی کامل ترکیب می کند. در قرن 14 و 15 توسعه یافت و دارای آلات موسیقی و تکنیک های اجرای خاص خود بود که اغلب از پدر به پسر منتقل می شد. اجراکنندگان عموماً مرد بودند (هم برای نقش‌های مرد و هم برای نقش‌های زن)، اگرچه آماتورهای زن نیز درام‌های Nō را اجرا می‌کردند. درام Nō توسط دولت و به ویژه ارتش حمایت می شد و بسیاری از فرماندهان نظامی گروه های خود را داشتند و گاهی اوقات خود را اجرا می کردند. هنوز هم در ژاپن اجرا می شود. [75]

Kyōgen همتای کمیک درام Nō است. بیشتر بر دیالوگ و کمتر بر روی موسیقی متمرکز است، اگرچه نوازندگان نو گاهی در Kyōgen نیز ظاهر می شوند. درام کابوکی که از قرن هفدهم توسعه یافت، یکی دیگر از فرم های کمیک است که شامل رقص می شود.

درام تئاتر و موزیکال مدرن نیز در ژاپن به اشکالی مانند شینگکی و تاکارازوکا ریویو توسعه یافته است .

تراژدی

به نظر می رسد که کلمه “تراژدی” برای توصیف پدیده های مختلف در زمان های مختلف به کار رفته است. این از یونانی کلاسیک τραγῳδία از گرفته شده است که trag (o)-aoidiā = ” آواز بز ” گرفته شده است، که از tragos = “او بز” و aeidein = “آواز خواندن” ( ر.ک. “ode”) می آید. محققان گمان می‌کنند که این ممکن است به زمانی ردیابی شود که یک بز یا جایزه [16] در مسابقه رقص گروه کر بود یا همان چیزی بود که یک گروه کر حیوان دور آن می‌رقصید مراسم آیینی قبل از قربانی کردن . [17] در دیدگاه دیگری در مورد ریشه شناسی، آتنائوس از Naucratis (قرن 2-3 پس از میلاد) می گوید که شکل اصلی کلمه تریگودیا از تریگوس (برداشت انگور) و قصیده (آهنگ) بود، زیرا این رویدادها برای اولین بار در طول انگور معرفی شدند. محصول. [18]

که در سال 335 قبل از میلاد (مدت ها پس از عصر طلایی قرن پنجم تراژدی آتنی ) می نویسد، ارسطو اولین توضیح باقی مانده را برای منشأ هنر نمایشی در شعر خود ارائه می دهد ، که در آن استدلال می کند که تراژدی از بداهه پردازی های رهبر ایجاد شده است. از کر دی تیرامب های ( سرودهایی که در ستایش دیونیزوس ، خدای شراب و باروری خوانده و رقصیده می شود): [17]

به هر حال، برخاسته از یک آغاز بداهه (هم تراژدی و هم کمدی – تراژدی از رهبران دی ترامب، و کمدی از رهبران موکب های فالیک که حتی اکنون به عنوان یک رسم در بسیاری از شهرهای ما ادامه دارد)، [تراژدی] کم کم رشد کرد. اندک، چون [شاعران] هر چه [بخش تازه] از آن پدیدار شده بود، توسعه دادند. و با گذر از تغییرات بسیار، تراژدی متوقف شد، زیرا به ماهیت خود رسیده بود.

– Poetics IV, 1449a 10-15 [19]

در همین اثر، ارسطو تلاش می کند تا تعریفی مکتبی از چیستی تراژدی ارائه دهد:

پس تراژدی به وسیله زبانی غنی شده [با زیورآلات] که هر کدام جداگانه در بخشهای مختلف [نمایشنامه] به کار می رود، انجام یک عمل مهم و کامل و با عظمت [معین] است. نه تنها تلاوت، و از طریق ترحم و ترس موجب تسکین ( کاترسیس ) این گونه احساسات می شود.

– Poetics, VI 1449b 2-3 [20]

در مورد منشأ دو تیرامبیک تراژدی مخالفت هایی وجود دارد که عمدتاً بر اساس تفاوت بین شکل گروه های کر و سبک های رقص آنها است. [21] یک نسب مشترک از آداب باروری و تدفین پیش از هلنی پیشنهاد شده است. [21] فردریش نیچه درباره ریشه های تراژدی یونانی بحث کرد در کتاب اولیه خود به نام تولد تراژدی (1872) . در اینجا، او پیشنهاد می‌کند که این نام از استفاده از گروه کر از ساترهای اصلی بز مانند در دی‌تیرام‌های که ژانر تراژیک از آن شکل گرفته است، سرچشمه می‌گیرد.

اسکات اسکالیون می نویسد:

شواهد فراوانی برای تراژویدیا وجود دارد که به عنوان “آواز برای بز جایزه” شناخته می شود. شناخته شده ترین شواهد هوراس، Ars poetica 220-24 («کسی که با آهنگی تراژیک برای یک بز صرف رقابت کرد» است. قدیمی ترین آنها مرمر پریان است، وقایع نگاری در حدود 264/63 قبل از میلاد، که در تاریخ بین 538 و 528 قبل از میلاد نوشته شده است: “Thespis شاعر است … اولین بار تولید شد … و به عنوان جایزه بز بیلی تاسیس شد.” (FrGHist 239A, epoch 43); واضح‌ترین آن یوستاتیوس 1769.45 است: “آنان رقیب را تراژدی نامیدند، آشکارا به دلیل آواز بر سر بز بیلی”… [22]

برادران لیلا یونانی

تراژدی آتن – قدیمی ترین شکل تراژدی به جای مانده – نوعی رقص درام است که بخش مهمی از فرهنگ نمایشی دولت-شهر را تشکیل می دهد. [23] [24] [25] [26] [27] [28] زمانی که در قرن ششم قبل از میلاد ظاهر شد، در قرن پنجم قبل از میلاد شکوفا شد (از اواخر آن شروع به گسترش در سراسر جهان یونان کرد). و تا آغاز دوره هلنیستی به محبوبیت خود ادامه داد . [29] [30] [31] هیچ تراژدی از قرن ششم و تنها 32 تراژدی از بیش از هزار موردی که در قرن پنجم انجام شد باقی مانده است. [32] [33] [ب] ما متون کاملی داریم از آیسخلوس ، سوفوکل و اوریپید . [32] [ج] اثر آیسخلوس ایرانی‌ها به عنوان نخستین تراژدی یونانی باقی‌مانده شناخته می‌شود، و به این ترتیب در میان نمایش‌های باستانی موجود، منحصربه‌فرد است. [35]

تراژدی‌های آتن در اواخر مارس/اوایل آوریل در یک جشنواره مذهبی دولتی سالانه به افتخار دیونوسوس اجرا شد. این ارائه ها به صورت مسابقه ای بین سه نمایشنامه نویس برگزار شد که در سه روز متوالی آثار خود را ارائه کردند. هر نمایشنامه نویسی یک تترالوژی متشکل از سه تراژدی و یک قطعه طنز پایانی به نام نمایشنامه ساتر ارائه کرد . [36] این چهار نمایشنامه گاهی داستان‌های مرتبط را نشان می‌دادند. تنها یک سه گانه کامل از تراژدی ها باقی مانده است، اورستیای آیسخولوس . تئاتر یونانی در هوای آزاد، در کنار تپه بود و اجرای یک نمایش سه گانه و طنز احتمالاً بیشتر روز ادامه داشت. ظاهراً اجراها برای همه شهروندان از جمله زنان باز بود، اما شواهد کمی وجود دارد. [ نیاز به منبع ] تئاتر دیونیسوس در آتن احتمالاً حدود 12000 نفر را در خود جای داده بود. [37]

تمام قسمت های کرال (با همراهی یک aulos ) و برخی از پاسخ های بازیگران به گروه کر خوانده شد. نمایشنامه در مجموع در مترهای شعر مختلف سروده شده است. همه بازیگران مرد بودند و نقاب زده بودند. یک گروه کر یونانی هم می رقصید و هم آواز می خواند، اگرچه هیچ کس دقیقاً نمی داند که گروه کر هنگام خواندن چه مراحلی را اجرا می کند. ترانه های کر در تراژدی اغلب به سه بخش تقسیم می شوند: استروف (“چرخش، چرخش”)، آنتی استروف (“ضد چرخش، چرخش مخالف”) و اپود (“پس از آهنگ”).

به عنوان یک وسیله نمایشی استفاده می کردند بسیاری از تراژدی نویسان یونان باستان از ekkyklêma ، که یک سکوی پنهان در پشت صحنه بود که می توانست برای نمایش عواقب رویدادی که دور از چشم تماشاگران اتفاق افتاده بود، باز شود. این رویداد غالباً نوعی قتل وحشیانه بود، یک عمل خشونت‌آمیز که نمی‌توانست به‌طور مؤثر به‌صورت بصری به تصویر کشیده شود، اما عملی که سایر شخصیت‌ها باید اثرات آن را ببینند تا معنا و طنین احساسی داشته باشد. نمونه بارز استفاده از ekkyklêma پس از قتل آگاممنون در اولین نمایشنامه اورستیا اثر آیسخولوس است ، زمانی که جسد قصابی پادشاه در یک نمایش بزرگ برای دیدن همه چرخانده می شود. تغییرات روی ekkyklêma تا به امروز در تراژدی ها و اشکال دیگر استفاده می شود، زیرا نویسندگان هنوز آن را وسیله ای مفید و اغلب قدرتمند برای نشان دادن عواقب اعمال شدید انسانی می دانند. یکی دیگر از این وسایل جرثقیل، مکانیک بود که برای بالا بردن یک خدا یا الهه روی صحنه، زمانی که قرار بود پرواز کنند، کار می کرد. این دستگاه منشأ عبارت ” deus ex machina (“خدای خارج از ماشین”)، یعنی مداخله غافلگیرکننده یک عامل خارجی پیش بینی نشده که نتیجه یک رویداد را تغییر می دهد. [38]

رومی

گسترش جمهوری روم (509-27 پ . پس از [39] از سالهای بعدی جمهوری و به وسیله امپراتوری روم (27 پ.م.-476 بعد از میلاد)، تئاتر در غرب در سراسر اروپا، در اطراف دریای مدیترانه گسترش یافت و حتی به بریتانیا رسید. [40] در حالی که تراژدی یونانی در سراسر دوره روم اجرا می شد، سال 240 قبل از میلاد آغاز نمایش منظم رومی است . [39] [d] لیویوس آندرونیکوس شروع به نوشتن تراژدی‌های رومی کرد، بنابراین برخی از اولین آثار مهم ادبیات رومی را خلق کرد . [41] پنج سال بعد، Gnaeus Naevius نیز شروع به نوشتن تراژدی کرد (البته او بیشتر برای کمدی هایش مورد قدردانی قرار گرفت). [41] هیچ تراژدی کامل رومی اولیه باقی نمانده است، اگرچه در زمان خود بسیار مورد توجه بود. مورخان سه نمایشنامه نویس تراژیک اولیه دیگر را می شناسند – کوئینتوس انیوس ، مارکوس پاکوویوس و لوسیوس آکیوس . [42]

از زمان امپراتوری، تراژدی های دو نمایشنامه نویس باقی مانده است – یکی نویسنده ناشناخته است، در حالی که دیگری سنکا رواقی فیلسوف است . [43] 9 تراژدی از سنکا باقی مانده است که همه آنها fabula crepidata (تراژدی اقتباس شده از اصل یونانی) هستند. او Phaedra برای مثال، اوریپید بر اساس هیپولیتوس ساخته شده است . [44] مورخان نمی‌دانند که تنها نمونه موجود از fabula praetexta (تراژدی‌های مبتنی بر موضوعات رومی)، اکتاویا ، کیست، اما در زمان‌های گذشته به اشتباه به دلیل ظاهرش به عنوان شخصیت در تراژدی به سنکا نسبت داده می‌شد. [43]

تراژدی‌های سنکا تراژدی‌های هر سه نمایشنامه‌نویس تراژیک آتنی را که آثارشان باقی مانده است، بازسازی می‌کند. احتمالاً برای خوانده شدن در مجامع نخبگان، آنها با نسخه‌های یونانی در روایت‌های بلند افراطی، روایی از کنش، اخلاقیات مزاحم، و لفاظی‌های غم‌انگیزشان متفاوت هستند. آنها بر روی گزارش های دقیق اعمال وحشتناک تمرکز می کنند و شامل تک گویی های طولانی مدتی است . اگرچه خدایان به ندرت در این نمایشنامه ها ظاهر می شوند، ارواح و جادوگران فراوان هستند. تراژدی‌های سنکا ایده‌های انتقام ، غیبت، ماوراء طبیعی، خودکشی، خون و غم را بررسی می‌کنند. محقق رنسانس جولیوس سزار اسکالیگر (1484-1558) که هم لاتین و هم یونانی می دانست، سنکا را به اوریپید ترجیح داد.

رنسانس

تأثیر یونانی و رومی

نمایشنامه کلاسیک یونانی تا حد زیادی در اروپای غربی از قرون وسطی تا آغاز قرن شانزدهم فراموش شد. تئاتر قرون وسطی تحت سلطه نمایشنامه های رمزآلود ، نمایشنامه های اخلاقی ، مسخره ها و نمایشنامه های معجزه بود . در ایتالیا، الگوهای تراژدی در اواخر قرون وسطی رومی بود، به ویژه آثار سنکا، که علاقه به آن توسط پادوان لواتو دو لواتی (1241-1309) دوباره بیدار شد. [45] شاگرد او آلبرتینو موساتو (1261-1329)، همچنین از پادوا، در سال 1315 شعر لاتین تراژدی Eccerinis را نوشت که از داستان ستمگر Ezzelino III دا رومانو برای برجسته کردن خطری که Cangrande della Scala از ورونا برای پادوا ایجاد می کند استفاده می کند. . [46] این اولین تراژدی سکولار بود که از زمان رومیان نوشته شد و شاید بتوان آن را اولین تراژدی ایتالیایی دانست که به عنوان یک اثر رنسانس قابل شناسایی است. اولین تراژدی‌هایی که از مضامین صرفاً کلاسیک استفاده می‌کنند، آشیل هستند ( حدود 1365 تا 1441) نوشته شده است و پروگنه که قبل از سال 1390 توسط آنتونیو لوشی ویچنزا گرگوریو کورر ونیزی . ( 1409-1464) که از سال‌های 1428 تا 1429 باز می‌گردد [47]

در سال 1515، جیان جورجیو تریسینو (1478-1550) از ویچنزا تراژدی سوفونیسبا را به زبان عامیانه نوشت که بعداً ایتالیایی نامیده شد. برگرفته از لیوی روایت از سوفونیسبا ، شاهزاده خانم کارتاژی که برای جلوگیری از گرفتن توسط رومیان زهر می نوشید، به قوانین کلاسیک بسیار پایبند است. دنبال شد به زودی توسط اورست و روزموندا دوست تریسینو، جووانی دی برناردو روسلای فلورانسی (1475-1525) شدند و بر اساس مدل‌های کلاسیک یونانی هستند، روزموندا در هکوبای اوریپید . هر دو تا اوایل سال 1516 تکمیل ، و اورست در ایفیگنیا در تائوریس از همان نویسنده. مانند سوفونیسبا ، آنها به زبان ایتالیایی و در هجایی های خالی (بی قاف) هستند . یکی دیگر از اولین تراژدی های مدرن ، A Castro ، اثر شاعر و نمایشنامه نویس پرتغالی António Ferreira است که در حدود سال 1550 (اما تنها در سال 1587 منتشر شده است) در شعر چند متری (بیشتر آن هجایی های خالی است) نوشته شده است و به قتل اینس د کاسترو می پردازد. ، یکی از دراماتیک ترین قسمت های تاریخ پرتغال. اگرچه این سه نمایشنامه ایتالیایی اغلب به‌صورت جداگانه یا با هم به‌عنوان اولین تراژدی‌های معمولی در دوران مدرن و همچنین نخستین آثار قابل توجهی که با هجایی‌های خالی نوشته شده‌اند، ذکر می‌شوند، ظاهراً دو اثر دیگر به زبان عامیانه پیش از آن‌ها ساخته شده‌اند: Pamfila یا Filostrato e Panfila نوشته شده در 1498 یا 1508 توسط آنتونیو کاملی (Antonio da Pistoia)؛ و Sophonisba اثر Galeotto del Carretto از 1502. [48] [49]

از حدود 1500 نسخه چاپ شده، به زبان های اصلی، از آثار سوفوکل ، سنکا ، و اوریپید ، و همچنین نویسندگان کمدی مانند آریستوفان ، ترنس و پلاتوس ، در اروپا موجود بود و چهل سال بعد، انسان گرایان و شاعران به ترجمه و ترجمه پرداختند. تطبیق تراژدی های آنها در دهه 1540، محیط دانشگاه اروپا (و به ویژه، از سال 1553 به بعد، کالج های یسوعی) میزبان یک تئاتر نئو لاتین (به لاتین) شد که توسط محققان نوشته شده بود. تأثیر سنکا به ویژه در تراژدی اومانیستی آن قوی بود. نمایشنامه‌های او با ارواح، قطعات غنایی و خطابه‌های بلاغی، تمرکزی بر بلاغت و زبان به جای کنش دراماتیک در بسیاری از تراژدی‌های اومانیستی به ارمغان آورد.

مهمترین منابع برای تئاتر تراژیک فرانسوی در رنسانس، نمونه سنکا و دستورات هوراس و ارسطو (و تفسیرهای معاصر ژولیوس سزار اسکالیگر و لودوویکو کاستلوترو ) بود، اگرچه طرح‌ها از نویسندگان کلاسیک مانند پلوتارک ، سوتونیوس و غیره گرفته شده بود. .، از کتاب مقدس، از رویدادهای معاصر و از مجموعه داستان های کوتاه (ایتالیایی، فرانسوی و اسپانیایی). نویسندگان تراژیک یونانی ( سوفوکل و اوریپید ) تا اواسط قرن هفدهم به عنوان الگو اهمیت فزاینده ای پیدا کردند. الگوهای مهمی نیز توسط عصر طلایی اسپانیایی نمایشنامه نویسان پدرو کالدرون د لا بارکا ، تیرسو د مولینا و لوپه دو وگا ارائه شد که بسیاری از آثار آنها برای صحنه فرانسه ترجمه و اقتباس شدند.

بریتانیا

اصلاحات ادبیات دوران

بررسی اجمالی

بریتانیایی الیزابتی ولز اسکاتلندی انگلیسی-ایرلندی شاعران متافیزیکی تئاتر رنسانس انگلیسی معنوی اخلاق تاریخ تراژدی انتقام

قاره

اسکاندیناوی

v تی ه

اشکال رایج عبارتند از:

• تراژدی شرایط : مردم در موقعیت های خود متولد می شوند و آنها را انتخاب نمی کنند. چنین تراژدی هایی به بررسی پیامدهای حق تولد، به ویژه برای پادشاهان می پردازد
• تراژدی اشتباه محاسباتی : دارد خطای قضاوت قهرمان داستان عواقب غم انگیزی
• انتقام بازی

در زبان انگلیسی، معروف‌ترین و موفق‌ترین تراژدی‌های ویلیام شکسپیر و هم‌عصران الیزابتی او هستند . تراژدی های شکسپیر عبارتند از:

• آنتونی و کلئوپاترا
• کوریولانوس
• هملت
• سزار ژولیوس
• شاه لیر
• مکبث
• اتللو
• رومئو و ژولیت
• تیمون آتن
• تیتوس آندرونیکوس
• ترویلوس و کرسیدا

یکی از معاصران شکسپیر، کریستوفر مارلو ، نیز نمونه هایی از تراژدی را به زبان انگلیسی نوشت، به ویژه:

• تاریخ تراژیک دکتر فاستوس
• تنبورن کبیر

جان وبستر (1580؟–1635؟)، همچنین نمایشنامه های معروف این ژانر را نوشت:

• دوشس مالفی
• شیطان سفید

تراژدی داخلی

تراژدی های داخلی تراژدی هایی هستند که قهرمانان تراژیک آن افراد معمولی طبقه متوسط ​​یا طبقه کارگر هستند. این زیرژانر در تضاد با تراژدی کلاسیک و نئوکلاسیک است ، که در آن قهرمان‌های داستان در مرتبه پادشاهی یا اشرافی هستند و سقوط آنها یک امر دولتی و همچنین شخصی است.

، یونان باستان، نظریه‌پرداز ارسطو استدلال کرده بود که تراژدی فقط باید به افراد بزرگ با ذهن و روح بزرگ مربوط شود، زیرا سقوط فاجعه‌آمیز آنها از نظر عاطفی برای مخاطب قدرتمندتر خواهد بود. فقط کمدی باید افراد طبقه متوسط ​​را به تصویر بکشد. تراژدی داخلی دستورات ارسطو را در هم می شکند و بازرگانان یا شهروندانی را که زندگی آنها پیامدهای کمتری در جهان گسترده تر دارد، تابع خود می کند.

ظهور تراژدی داخلی آغازگر تغییر فاز اول ژانر با تمرکز کمتر بر تعریف ارسطویی از ژانر و بیشتر بر تعریف تراژدی در مقیاس درام است، جایی که تراژدی در مقابل کمدی یعنی داستان های مالیخولیایی قرار می گیرد. اگرچه استفاده از عناصر کلیدی مانند رنج، هامارتیا، اخلاق و تماشایی در نهایت این تنوع تراژدی را به بقیه پیوند می‌دهد. این نوع تراژدی منجر به تکامل و توسعه تراژدی های دوران مدرن به ویژه تراژدی های گذشته از اواسط دهه 1800 مانند آثار آرتور میلر ، یوجین اونیل و هنریک ایبسن شده است . مضامینی که به تازگی از جنبش تراژدی داخلی سرچشمه گرفته اند عبارتند از: محکومیت ها و اعدام های نادرست، فقر، گرسنگی، اعتیاد ، اعتیاد به الکل ، بدهی، سوء استفاده ساختاری ، کودک آزاری ، جنایت ، خشونت خانگی ، دوری جستن اجتماعی ، افسردگی و تنهایی.

تراژدی های کلاسیک داخلی عبارتند از:

• Arden of Faversham (1592)
• زنی که با مهربانی کشته شد (1607)
• تراژدی یورکشایر (1608)
• جادوگر ادمونتون (1621)

اپرا

همزمان با شکسپیر، رویکردی کاملاً متفاوت برای تسهیل تولد دوباره تراژدی در ایتالیا اتخاذ شد. یاکوپو پری ، در پیشگفتار اوریدیس خود به «یونانیان و رومی‌های باستان (که به عقیده بسیاری تراژدی‌های صحنه‌سازی شده‌شان را در سراسر صحنه نمایش می‌دادند) اشاره می‌کند.» [50] تلاش های پری و معاصرانش برای بازآفرینی تراژدی باستانی باعث پیدایش ژانر جدید موسیقی ایتالیایی اپرا شد. در فرانسه، آثار اپرایی تراژیک از زمان لولی تا گلوک ، اپرا نامیده نمی شدند، بلکه تراژدی در موسیقی («تراژدی در موسیقی») یا نامی مشابه نامیده می شدند. tragédie en musique به عنوان یک ژانر موسیقی متمایز در نظر گرفته می شود. [51] برخی از آهنگسازان اپرایی بعدی نیز اهداف پری را به اشتراک گذاشته اند: (“اثر هنری یکپارچه”) ریچارد واگنر مفهوم Gesamtkunstwerk برای مثال، ، به عنوان بازگشتی به ایده آل تراژدی یونانی در نظر گرفته شده بود که در آن همه هنرها در هم آمیخته شده بودند. در خدمت درام [52] نیچه در تولد تراژدی (1872) از واگنر در ادعاهایش مبنی بر جانشینی نمایشنامه نویسان باستان حمایت کرد.

نئوکلاسیک

در بیشتر قرن هفدهم، پیر کورنیل (1636) اثر خود را در دنیای تراژدی گذاشت که با نمایشنامه هایی مانند مده (1635) و لو سید ، موفق ترین نویسنده تراژدی فرانسوی بود. تراژدی های کورنیل به طرز عجیبی غیر تراژیک بودند (نسخه اول او از Le Cid حتی به عنوان یک تراژیک کمدی در فهرست قرار گرفت)، زیرا آنها پایان خوشی داشتند. کورنیل در آثار نظری خود در مورد تئاتر، کمدی و تراژدی را بر اساس فرضیات زیر بازتعریف کرد:

• صحنه – هم در کمدی و هم در تراژدی – باید دارای شخصیت‌های نجیب باشد (این کار باعث حذف بسیاری از شخصیت‌های کم‌رنگ، نمونه‌ای از مسخره، از کمدی‌های کورنیل می‌شود). شخصیت های نجیب را نباید به عنوان پست نشان داد (اعمال مذموم عموماً ناشی از شخصیت های غیر نجیب در نمایشنامه های کرنیل است).
• تراژدی به امور دولتی می پردازد (جنگ ها، ازدواج های خاندانی). کمدی به عشق می پردازد برای اینکه یک اثر تراژیک باشد، لازم نیست پایانی تراژیک داشته باشد.
• اگرچه ارسطو می گوید که کاتارسیس (پاکسازی احساسات) باید هدف تراژدی باشد، اما این فقط یک ایده آل است. مطابق با قواعد اخلاقی آن دوره، نمایشنامه ها نباید نشان دهند که شر پاداش می گیرند یا اشرافیت تحقیر می شود.

کورنیل تا سال 1674 به نوشتن نمایشنامه‌ها (عمدتاً تراژدی‌ها، اما همچنین چیزی که او آن را «کمدی‌های قهرمانانه» می‌نامید) ادامه داد و بسیاری از آنها همچنان موفقیت‌آمیز بودند، اگرچه «بی‌نظمی» روش‌های نمایشی او به طور فزاینده‌ای مورد انتقاد قرار می‌گرفت (به‌ویژه توسط فرانسوا هدلن، ابه d’Aubignac . ) و موفقیت ژان راسین از اواخر دهه 1660 نشان دهنده پایان برتری او بود.

ژان راسین تراژدی های – الهام گرفته از اسطوره های یونانی، اوریپید ، سوفوکل و سنکا – طرح خود را در مجموعه ای فشرده از درگیری های پرشور و وظیفه ای بین گروه کوچکی از شخصیت های نجیب متراکم کرد و بر دوگانگی این شخصیت ها و هندسه آرزوها و نفرت های برآورده نشده آنها. مهارت شاعرانه راسین در نمایش رقت انگیز و اشتیاق عاشقانه بود (مانند عشق Phèdre به پسر خوانده اش) و تأثیر او چنان بود که بحران عاطفی تا پایان قرن حالت غالب تراژدی خواهد بود. دو نمایشنامه اواخر راسین (“استر” و “اتالی”) درهای جدیدی را به موضوع کتاب مقدس و استفاده از تئاتر در آموزش زنان جوان گشود. راسین همچنین به دلیل بی نظمی های خود با انتقاداتی روبرو شد: زمانی که نمایشنامه او، برنیس ، به دلیل عدم وجود مرگ مورد انتقاد قرار گرفت، راسین دیدگاه متعارف تراژدی را به چالش کشید.

برای اطلاعات بیشتر درباره تراژدی فرانسه در قرن 16 و 17، به ادبیات رنسانس فرانسه و ادبیات فرانسه قرن 17 مراجعه کنید .

توسعه بعدی

در اواخر قرن هجدهم، جوآنا بیلی ، پس از مطالعه پیشینیان خود، می‌خواست تئاتر را متحول کند و معتقد بود که می‌توان از آن به طور مؤثرتری برای تأثیرگذاری بر زندگی مردم استفاده کرد. [53] برای این منظور، او جهت تازه‌ای به تراژدی داد، که آن را اینگونه تعریف می‌کند: «آشکار شدن ذهن انسان تحت سلطه آن احساسات قوی و ثابت، که ظاهراً توسط شرایط بیرونی برانگیخته نشده‌اند، از ابتدا در سینه‌ها رشد می‌کنند. تا زمانی که شرایط بهتر، تمام مواهب منصفانه طبیعت در برابر آنها فرود آید. [54] او این نظریه را در «مجموعه نمایشنامه‌های احساسات» در سه جلد (شروع در سال 1798) و در آثار نمایشی دیگر به اجرا درآورد. روش او خلق مجموعه‌ای از صحنه‌ها و حوادث بود که هدف آن جلب کنجکاوی مخاطب و «ردیابی پیشرفت شور و شوق، نشان دادن آن مراحل در نزدیک شدن به دشمن بود، زمانی که ممکن بود با او با موفقیت‌ترین مبارزه مبارزه شود. و جایی که رنج کشیدن او را می توان به عنوان عامل تمام بدبختی های ناشی از آن در نظر گرفت. [55]

بورژوا

تراژدی بورژوازی (به آلمانی: Bürgerliches Trauerspiel) شکلی است که در اروپای قرن هجدهم شکل گرفت. این ثمره روشنگری و ظهور طبقه بورژوا و آرمان های آن بود. مشخصه آن این است که قهرمانان آن شهروندان عادی هستند. اولین تراژدی واقعی بورژوازی یک نمایشنامه انگلیسی بود، جورج لیلو اثر تاجر لندن . یا، تاریخچه جورج بارنول ، که برای اولین بار در سال 1731 اجرا شد. معمولاً، اثر گوتولد افرایم لسینگ نمایشنامه خانم سارا سامپسون است ، که اولین بار در سال 1755 تولید شد، اولین نمایشنامه Bürgerliches Trauerspiel در آلمان .

توسعه مدرن

در ادبیات مدرنیستی ، تعریف تراژدی کمتر دقیق شده است. اساسی ترین تغییر، رد این گفته ارسطو بوده است که تراژدی واقعی فقط می تواند کسانی را که دارای قدرت و منزلت بالایی هستند به تصویر بکشد. آرتور میلر مقاله “تراژدی و انسان معمولی” (1949) استدلال می کند که تراژدی ممکن است افراد عادی را در محیط داخلی به تصویر بکشد و بدین ترتیب تراژدی های داخلی را تعریف کند. [56] نمایشنامه نویس بریتانیایی هاوارد بارکر، ، به شدت برای تولد دوباره تراژدی در تئاتر معاصر بحث کرده است، به ویژه در جلد او Arguments for a Theater . او اصرار می‌کند: “شما از تراژدی بیرون می‌آیید و در برابر دروغ‌ها مجهز شده‌اید. بعد از موزیکال، شما احمق هر کسی هستید.” [57]

منتقدانی مانند جورج اشتاینر حتی حاضر شده اند استدلال کنند که تراژدی ممکن است در مقایسه با مظاهر قبلی آن در دوران باستان کلاسیک دیگر وجود نداشته باشد. جورج اشتاینر در مرگ تراژدی (1961) ویژگی‌های تراژدی یونانی و سنت‌هایی را که از آن دوره به وجود آمد، بیان کرد. اشتاینر در پیش‌گفتار (1980) نسخه جدیدی از کتابش به این نتیجه رسید که «درام‌های شکسپیر تجدید حیات یا گونه‌ای انسان‌گرایانه از مدل تراژیک مطلق نیستند. آنها، در عوض، رد این مدل در پرتو معیارهای تراژدی-کمیک و “واقع گرایانه” هستند. تا حدی، این ویژگی ذهن شکسپیر با خمیدگی ذهن یا تخیل او توضیح داده می‌شود که «بسیار فراگیر و پذیرا برای کثرت نظم‌های متنوع تجربه بود». در مقایسه با درام دوران باستان یونان و کلاسیک فرانسه، اشکال شکسپیر “غنی تر اما ترکیبی” است. [58] [59]

کتاب‌ها و نمایشنامه‌های متعددی به سنت تراژدی تا به امروز نوشته می‌شوند، نمونه‌هایی از جمله فوث در رویا ، [60] [61] جاده ، [62] گسل در ستاره‌های ما ، شهر چاق ، [63] سوراخ خرگوش ، [64] [65] مرثیه ای برای یک رویا ، داستان ندیمه . [66] [67] [68] [69]

نظریه ها

تعریف تراژدی موضوع ساده ای نیست و تعاریف زیادی وجود دارد که برخی از آنها با یکدیگر ناسازگار هستند. اسکار ماندل، در تعریفی از تراژدی (1961)، دو ابزار اساساً متفاوت برای رسیدن به یک تعریف را در تضاد قرار داد. می نامد نخست آن چیزی است که او آن را روش مشتق ، که در آن تراژدی تصور می شود که بیان نظمی از جهان است. «به جای این که بپرسیم تراژدی بیانگر چه چیزی است، تعریف مشتق شده تمایل دارد که بپرسد چه چیزی خود را از طریق تراژدی بیان می کند». دوم، شیوه ماهوی تعریف تراژدی است که با اثر هنری آغاز می شود که فرض می شود در بر می گیرد نظم جهان را . منتقدان محتوایی «به عناصر سازنده هنر علاقه دارند تا منابع هستی شناختی آن». او چهار زیر کلاس را تشخیص می دهد: الف. “تعریف با عناصر رسمی” (به عنوان مثال “سه واحد” فرضی)؛ ب “تعریف بر اساس موقعیت” (که در آن تراژدی را به عنوان مثال “نمایش سقوط یک مرد خوب” تعریف می کند). ج «تعریف بر اساس جهت اخلاقی» (در جایی که منتقد به معنا، با «اثر فکری و اخلاقی» توجه می کند؛ و د. «تعریف بر اساس تأثیر عاطفی» (و او به «نیاز ارسطو برای ترحم و ترس» استناد می کند). [70]

ارسطو

ارسطو در اثر شعری خود نوشته است که تراژدی با جدیت مشخص می شود و شامل شخص بزرگی می شود که واژگونی بخت را تجربه می کند ( Peripeteia ). ارسطو تعریف می تواند شامل تغییر اقبال از بد به خوب مانند اومنیدس باشد ، اما او می گوید که تغییر از خوب به بد مانند ادیپ رکس ترجیح داده می شود زیرا این امر باعث ترحم و ترس در بینندگان می شود. تراژدی از طریق تجربه این احساسات در پاسخ به رنج شخصیت های درام، منجر به کاتارسیس (پاکسازی عاطفی) یا شفای مخاطب می شود.

به گفته ارسطو، «ساختار بهترین تراژدی نباید ساده باشد، بلکه پیچیده باشد و نمایانگر حوادثی باشد که ترس و ترحم را برمی انگیزد – زیرا این ساختار خاص این شکل از هنر است». [71] قهرمان غم انگیز باشد این واژگونی شانس باید ناشی از هامارتیا که اغلب به عنوان یک نقص شخصیت بازمی گردد یا به عنوان یک اشتباه ترجمه می شود (زیرا ریشه شناسی اصلی یونانی به hamartanein ، یک اصطلاح ورزشی که به تیرانداز یا کماندار اشاره دارد. نیزه پرتاب کننده هدف خود را از دست داده است). [72] به گفته ارسطو، «بدبختی نه به خاطر رذیلت [عمومی] یا فسق، بلکه با خطا یا سستی [خاص] به وجود می آید». [73] [ به اندازه کافی مشخص نیست برای تأیید ] معکوس شدن نتیجه اجتناب ناپذیر اما پیش بینی نشده برخی از اقدامات انجام شده توسط قهرمان است. یا جامعه) ایجاد شود همچنین این یک تصور اشتباه است که این واژگونی می تواند توسط یک قدرت برتر (مثلا قانون، خدایان، سرنوشت ، اما اگر سقوط یک شخصیت به دلیل خارجی باشد، ارسطو این را به عنوان یک حادثه ناگوار توصیف می کند . یک تراژدی نیست [74]

علاوه بر این، قهرمان تراژیک ممکن است به مکاشفه یا شناختی دست یابد ( anagorisis – “دانستن دوباره” یا “دانستن دوباره” یا “دانستن از سرتاسر”) در مورد سرنوشت انسان، سرنوشت، و اراده خدایان. ارسطو این نوع شناخت را «تغییر از جهل به آگاهی از پیوند عشق یا نفرت» می‌گوید.

در شعر تعریف زیر را ، ارسطو در یونان باستان از واژه تراژدی (τραγῳδία) ارائه کرد: [20]

تراژدی تقلید از عملی است که تحسین برانگیز، کامل ( مرکب از مقدمه، وسط و پایان) و دارای عظمت است. در زبان لذت بخش، هر یک از گونه های آن در بخش های مختلف جدا شده است. توسط بازیگران اجرا می شود، نه از طریق روایت. از طریق ترحم و ترس در تطهیر چنین احساساتی مؤثر است.

استفاده متداول از تراژدی به هر داستانی با پایان غم انگیز اشاره دارد، در حالی که برای ارسطویی تراژدی بودن داستان باید با مجموعه الزاماتی مطابقت داشته باشد که توسط Poetics ارائه شده است . با این تعریف، درام اجتماعی نمی تواند تراژیک باشد، زیرا قهرمان در آن قربانی شرایط و حوادثی است که به جامعه ای که در آن زندگی می کند بستگی دارد و نه اجبارهای درونی – روانی یا مذهبی – که پیشرفت او را به سوی خودشناسی و مرگ تعیین می کند. . [75] با این حال، اینکه دقیقاً چه چیزی یک “تراژدی” را تشکیل می دهد، موضوعی است که اغلب مورد بحث است.

به گفته ارسطو، تراژدی چهار گونه است:

1. پیچیده، که شامل Peripety و Discovery است

2. رنج ها، تراژدی هایی از این قبیل را می توان در داستان های اساطیری یونانی آژاکس و ایکسیون مشاهده کرد.

3. شخصیت، تراژدی با خصوصیات اخلاقی یا اخلاقی. یافت تراژدی هایی از این قبیل را می توان در Phthiotides و Peleus

4. عینک، موضوعی ترسناک. نمونه هایی از این طبیعت فورسیدس و پرومتئوس هستند

هگل

GWF هگل ، فیلسوف آلمانی که بیش از همه به دلیل رویکرد دیالکتیکی اش به معرفت شناسی و تاریخ مشهور است، چنین روش شناسی را برای نظریه تراژدی خود به کار برد. در مقاله خود “نظریه تراژدی هگل” ای سی بردلی ابتدا جهان انگلیسی زبان را با نظریه هگل آشنا کرد که بردلی آن را ” برخورد تراژیک ” نامید و در تقابل با مفاهیم ارسطویی ” قهرمان تراژیک ” و “هامارتیا” او قرار گرفت. در تحلیل های بعدی از سه گانه اورستیا آیسخولوس و سوفوکل آنتیگونه . [76] اما خود هگل در کتاب اصلی خود ” پدیدارشناسی روح ” برای نظریه پیچیده تر تراژدی با دو شاخه مکمل که گرچه بر اساس یک اصل دیالکتیکی هدایت می شوند، تراژدی یونانی را از آنچه که شکسپیر را دنبال می کند متمایز می کند. سخنرانی‌های بعدی او چنین نظریه‌ای از تراژدی را به‌عنوان تضاد نیروهای اخلاقی، که توسط شخصیت‌ها بازنمایی می‌شود، در تراژدی یونان باستان فرموله می‌کند، اما در تراژدی شکسپیر، تعارض به عنوان یکی از سوژه و ابژه، شخصیت فردی ارائه می‌شود که باید احساسات خود ویرانگر را آشکار کند. زیرا فقط چنین احساساتی به اندازه کافی قوی هستند که از فرد در برابر دنیای خارجی خصمانه و هوس باز دفاع کنند:

قهرمانان تراژدی کلاسیک باستانی با موقعیت‌هایی مواجه می‌شوند که در آن‌ها، اگر قاطعانه به نفع یک تراژدی اخلاقی که به تنهایی با شخصیت تمام‌شده‌شان سازگار است، تصمیم بگیرند، لزوماً باید با قدرت اخلاقی به همان اندازه [gleichberechtigt] موجهی که با آن‌ها مواجه است، در تضاد قرار گیرند . از سوی دیگر، شخصیت‌های مدرن در انبوهی از موقعیت‌های تصادفی‌تر قرار دارند، که در آن‌ها می‌توان چنین یا آن‌گونه عمل کرد، به طوری که تعارض، اگرچه ناشی از پیش‌شرط‌های بیرونی است، اما اساساً در شخصیت ریشه دارد. افراد جدید در علایق خود از طبیعت خود اطاعت می کنند… صرفاً به این دلیل که همان هستند که هستند. قهرمانان یونانی نیز مطابق با فردیت عمل می کنند، اما در تراژدی باستانی چنین فردیت لزوماً … یک تراژدی اخلاقی خودکفا است … اما در تراژدی مدرن، شخصیت در ویژگی خاص خود مطابق با خواسته های ذهنی تصمیم می گیرد … که تطابق شخصیت با هدف اخلاقی ظاهری دیگر اساس اساسی زیبایی تراژیک را تشکیل نمی دهد… [77]

نظرات هگل در مورد یک نمایشنامه خاص ممکن است نظریه او را بهتر روشن کند: «با نگاهی بیرونی، مرگ هملت ممکن است تصادفی رخ داده باشد… اما در روح هملت، ما می‌فهمیم که مرگ از ابتدا در کمین بوده است: ساحل شنی پایان پذیری نمی‌تواند اندوه و لطافت او، چنین اندوه و تهوع در همه شرایط زندگی او بس است… ما احساس می کنیم او مردی است که انزجار درونی او را تقریباً قبل از اینکه مرگ از بیرون بر او وارد شود، فروکش کرده است. [78]